YA NO SOMOS DOS
(We don't live here anymore)

CÓMO SE HIZO "YA NO SOMOS DOS"
Notas de producción © 2004 Vértigo Films

  Publicados en la segunda mitad de los años 70, las dos obras en las que se basa YA NO SOMOS DOS –el cuento homónimo y “Adulterio”– son las historias reflexivas y provocadoras de dos parejas que se enfrentan a la infidelidad. “Ya no somos dos”, contado desde el punto de vista de Jack, es la crónica de su aventura con Edith y cómo culmina con un lío entre sus respectivas parejas. “Adulterio”, contado desde el punto de vista de Edith un tiempo después de su aventura con Jack, hace un seguimiento de su creciente desilusión con su matrimonio. En esta historia revive la primera época de su matrimonio y su descubrimiento de la infidelidad de Hank.

  Cada uno de los esposos en estas historias tiene una actitud distinta hacia (y distintos motivos para) sus transgresiones. Infundidas de las ácidas e incisivas observaciones sobre la naturaleza humana que hace Dubus, las historias retratan a cuatro adultos luchando con ambivalencia con el lento, gradual y poco excitante paso hacia la mediana edad y la vida familiar.

  Cuando leyó los cuentos de Dubus, al guionista Larry Gross le pareció que estaba ante un complejo retrato tanto vital como realista de la crisis entre dos parejas, que exploraba en las numerosas fuerzas que tiran de cada uno de los personajes. Los cuentos se enfrentaban a preguntas difíciles sobre la vida en pareja con una clara honradez, reflejando las decepciones, las menudencias y las distintas formas de engaño que pueden entrar en un matrimonio antes de que exista siquiera una traición.. Gross comenta “Describen una combinación de cosas que pasan en la vida de cuatro personajes principales que se mezclan para encerrarlos en situaciones difíciles: las presiones, la debilidad, el cansancio, el miedo, la compasión, la nostalgia, las exigencias de los hijos, el dinero, la ambición, la falta de ambición, la oportunidad, la inercia, la pena, el deseo. Dubus demuestra que aunque a menudo el amor y el matrimonio son asimétricos, siguen estando completamente entrelazados. Los cuentos de Dubus articulan una idea que puede incomodar a algunos: Que el amor no implica necesariamente la tranquilidad, la sinceridad y el bienestar. El amor no implica necesariamente la felicidad”.

  Los cuentos de Dubus nos proporcionan una punzante disección de las distintas clases de amor que pueden complicar la vida en pareja y la amistad así como la tensión que puede surgir en un conflicto de lealtades. Gross explica: “El tema de los desconcertadores efectos del amor es lo que obsesionó a Andre Dubus en todos sus cuentos. En estos cuentos en concreto, se contrastan toda clase de amores: el amor entre esposos, el amor entre amantes clandestinos, el amor entre amigos del mismo sexo, el amor entre padres e hijos, el amor sexual, el amor nacido de la amistad, el amor que se ha quedado reducido a la compasión, el amor que provoca engaños, el amor que conduce a la violencia”.

  Al adaptar los cuentos, Gross se basó fundamentalmente en los hechos de “Ya no somos dos”, incorporando la visión del matrimonio entre Edith y Hank de “Adulterio”. Además, optó por cambiar el punto de vista del personaje central a una combinación de los puntos de vista de los cuatro personajes principales, elaborando una pieza de cámara en la que cada uno de los personajes actúa como contrapunto de los demás.

  Gross afirma “Me interesaba complicar la estructura del punto de vista del material original.. seguía el dictado de Jean Renoir en La Regla del Juego, ‘El problema en la vida es que cada cual tiene sus razones’. Quería reflejar los puntos de vista de los demás personajes. También me pareció que incluir la perspectiva de los cuatro personajes era la forma de convertirlo en material cinematográfico”.

  Al modificar el punto de vista, Gross permite al público identificarse con cada uno de los personajes, realzando las complejas corrientes ocultas de emociones que existen en la historia y los conflictos de lealtades. Este delicado equilibrio de perspectivas enriquece las posibilidades dramáticas del material, añadiendo capas de interpretación a escenas aparentemente normales debido a los distintos grados de conocimiento de los personajes. ¿Parece que Hank anima a Jack para que traicione a su mujer para poder hacer él lo mismo, o sólo intenta que su amigo se relaje? ¿Jack es consciente de que está empujando a su mujer en brazos de su mejor amigo o sólo expresa su frustración con su matrimonio? Con el mismo realismo que se encuentra presente en los cuentos, las complejidades del corazón infiel se muestran no sólo en las acciones de los amantes infieles, sino también en su interacción con aquellos a quienes traicionan.

  Gross dice “Todo el que se ve envuelto en una crisis emocional es consciente de distintas partes de la situación en distintos momentos. Sigues lo que pasa, lo que sabe cada uno de los personajes por separado y lo que sabe cada personaje sobre lo que saben los demás personajes. Esta variación en el grado de consciencia de los personajes produce un suspense completamente heterodoxo”.

  Escrito hace más de veinte años, el guión y sus derechos subyacentes se cortaron cuando Columbia Pictures compró los derechos sobre los cuentos. Gross y el productor Jonas Goodman, cuyo padre había sido el editor de Dubus, intentaron vincular el guión a estos derechos a lo largo de los años, consiguiendo algo tras el éxito de En la habitación, la adaptación de Todd Field’s del cuento de Dubus “Killings”. Gross y Goodman, ya productor de Front Street Productions, renovaron sus esfuerzos para poner en marcha el proyecto y su perseverancia finalmente dio sus frutos. Gross, Goodman y los otros productores de Front Street Harvey Kahn y Ruth Epstein empezaron a poner en marcha el proyecto, con Epstein como productora ejecutiva.

  Al pensar en directores para la película, los productores dieron rápidamente en el clavo con John Curran. El director respondió de forma inmediata y con tal pasión que los productores supieron que la película se beneficiaría de su visión y de su interpretación del material. Curran dice “lo primero y principal que me atrajo del guión fue su brutal sinceridad, su tratamiento compasivo de unos personajes principales tocados y la idea valiente y elemental que estaba en su base: que el verdadero compromiso exige ciertos sacrificios personales y que, en distintos grados, las mentiras y el doble juego forman parte de todas las relaciones. En segundo lugar, me atrajo lo bien que se explora esta idea a través de los puntos de vista cambiantes, construyendo un drama siguiendo la línea de un thriller emocional, con esa sensación de no saber quién sabe qué o cuándo lo sabrán por fin o qué harán entonces”.

  Curran se dio cuenta de la gran importancia de encontrar un elenco capaz de capturar las sutilezas de la dinámica en juego en este inusual ménage-a-quatre desde el principio. Quería encontrar actores que pudieran incorporar el calor y la humanidad de cada personaje a pesar de las cosas cuestionables que cada uno hace en la historia, empezando por el personaje central de Jack. Curran tenía a Mark Ruffalo en mente para el papel y se alegró muchísimo cuando vio la entrega que mostró el actor por el material.

  Curran afirma “Mark es una de las personas más sinceras y agradables que he conocido en mucho tiempo y creo que esto se refleja en cualquier cosa que haga en la pantalla, independientemente de las decisiones morales que tomen sus personajes. Le horrorizaba gran parte de lo que hace Jack, pero estaba decidido a no restar nada en el retrato que hacía de él”.

  Cuando Ruffalo leyó el guión por primera vez, el retrato de dos matrimonios en crisis le pareció perturbador. Ruffalo cuenta “En Estados Unidos, algo más del 50% de los matrimonios acaban en divorcio. Esta gente está inmersa en uno de los empeños más difíciles al que nos podamos enfrentar en la vida. El sufrimiento es sincero, los problemas y las personas son complejos y el diálogo está maravillosamente escrito. El guión refleja las dudas morales y el maduro examen que Dubus hace las dificultades que atraviesan los matrimonios. Lo describe en sus peores momentos, pero deja espacio para la sencillez y belleza que hay en la capacidad de volver al amor inicial que hizo que todo aquello funcionara para empezar. Evidentemente este tema se ha tratado en incontables ocasiones, pero nunca lo he visto reflejado con tal sinceridad ni con un sentido del humor tan sutil, sin ceder a la intriga ni menospreciando los motivos ni la humanidad de cada uno de los personajes”.

  La respuesta inicial de Ruffalo al material fue profunda, su compromiso con la película desde el principio le inspiró para involucrarse además como productor ejecutivo. En cuanto a su participación como actor, le preocupaban las acciones de Jack y en un principio le interesaba más interpretar el papel de Hank. Cuando se reunió con Curran, se le persuadió para que se lo replanteara. Sobre Jack, Ruffalo comenta “Está pasando por un momento muy difícil. Está llegando aun punto en su vida en el que cree que lo mejor de sí mismo ya ha quedado en el pasado. Siente el paso del tiempo, lo ve en la corriente del río, en la actividad del pueblo que le rodea, en el tren. Ha perdido el contacto con su mujer y aprende a mentir sobre su infelicidad así como los que cree que son sus defectos (de ella). Intenta hacer lo que muchos hombres hacen cuando les llega la crisis de la mediana edad: recrearse destruyendo su pasado. Pero acaba por comprender que no es tan sencillo como tirarlo todo abajo y empezar desde cero. Sus propias acciones le obligan a ver la realidad de su vida en toa su complejidad y aceptarla. Ésa es la auténtica hombría. Esta crisis es una fase más en su desarrollo como ser humano”.

  Para el papel de Edith, Curran tenía, de nuevo, alguien concreto en mente: Naomi Watts. La dinámica actriz era claramente capaz de proporcionar al personaje la combinación exacta de vulnerabilidad y decisión y a Curran le intrigaba la idea de trabajar con una actriz de semejante talento que, además, hace muchos años que es amiga suya.

  Curran dice “Siempre imaginé a Naomi como Edith – un personaje enigmático y etéreo—y me gustó el hecho de que a Naomi le costara mucho respetar y entender al personaje en un principio. Naomi es en realidad el polo opuesto de Edith. Se enfrenta a los problemas desde el principio y no tolera a los idiotas. Me interesaba colaborar con ella con un personaje que la constriñera emocionalmente”.

  Cuando se le propuso el proyecto, Watts estaba en medio de un rodaje agotador en el plano emocional y no estaba convencida de meterse en otro proyecto con tan poco tiempo. Sin embargo, la fuerza del material así como la oportunidad de trabajar en el proyecto a un nivel más creativo le resultaron irresistibles. Watts se enganchó al proyecto como actriz principal y como productora.

  Watts comenta “Me daba miedo atacar otro trabajo tan poco tiempo después de 21 Gramos, pero llegué a la conclusión de que podía forzarme porque se trataba de un nuevo reto para mí. John confiaba en mis instintos y sugerencias sobre el reparto, la fotografía y otra serie de cosas. Aunque no estuve implicada en la fase de desarrollo del proyecto, esto abrió una parte de mí misma que quiero seguir explorando”.

  Sobre el guión Watts dice “Me pareció una maravillosa representación de la verdad sobre la pérdida de la comunicación en el matrimonio. Trabajar con este material ha sido una experiencia increíble, intentando comprender quiénes son estas personas. Son personas que, en su vida diaria, luchan por hacer que sus relaciones funcionen y eso es lo que me interesa como actriz en los libros que leo y en todo lo que observo”.

  Watts continúa “Hay muchos momentos en los que Edith juzga a Hank por sus infidelidades y, de repente, ella se dedica a lo mismo. Pero ésa es la naturaleza humana, en parte se trata de una reacción y n parte se trata de una necesidad básica de intimidad. La falta de comunicación en su matrimonio lo detiene todo y hace que se convierta en algo muy triste. Me costó mucho aceptar algunas decisiones de Edith, pero hace muchos años que ni se la escucha, ni se la ve ni se la quiere en su matrimonio. Eso me resultaba devastador, que alguien pudiera vivir así. Ella había aprendido cómo enfrentarse o no enfrentarse a las cosas, encerrándose. Jack despierta algo en su interior. Es una especie de efecto “dominó”. Cada uno de nosotros afecta a otro que a su vez está destrozando a otra persona y Edith es quien tiene el valor de retirarse de esta tremenda situación que se está saliendo de madre. La aventura tiene mucho sentido, pero también es autodestructiva. Es casi como si a veces tuvieras que provocar una crisis para evitar la muerte interior, para redescubrirte y bien salvar el matrimonio, bien abandonarlo”.

  Para equilibrar el conjunto, John Curran propuso a Laura Dern que interpretara a Terry Linden, un papel que requería la ingenuidad que ha hecho famosa a la actriz. Al igual que Ruffalo y Watts, la reacción de Dern ante el sincero retrato de la vida en pareja fue inmediata, pero le costaba aceptar en que los personajes estuvieran embebidos en sí mismos. Dern comenta “Yo tenía una idea muy distinta de la historia, una idea, en cierto sentido, estrecha de miras, hasta que me reuní con Mark y John. Me conmovió lo que veían en los Linden: una historia de amor sobre personas que luchan por tomar conciencia del otro… Forma parte del viaje emocional que emprenden y uno de los descubrimientos que hacen por el camino, quizá ambos, es que ella le quiere de manera absoluta, con cierta inocencia. No se trata sólo de seguir juntos por los hijos – Dios sabe que a veces no puedes elegir esa opción cuando no hay un cariño auténtico o hay mala voluntad – pero se trata de una mujer que le desea lo mejor y cree en la versión más auténtica de él. Él quizá haya olvidado quien es esa persona pero con un poco de suerte podrá volver a ella. Eso es lo que está en el núcleo de la historia y es lo que haces que quieras que sigan juntos”.

  Curran afirma “Laura no tiene ningún miedo como actriz y, aunque Terry no le parecía una víctima inocente, protegió a su personaje en todo momento. En unas manos menos capaces, Terry podría haberse convertido en una arpía antipática, pero Laura siempre buscó un equilibrio de belleza o humor en las escenas para contrarrestar la ira”.

  Con cada uno de los nuevos miembros que se añadía al reparto, los productores se aseguraron un reto a la hora de la logística, aunque sólo fuera por una cuestión de disponibilidad. La calidad del reparto era impecable, sin duda, pero las posibilidades de rodaje eran complicadas, sobre todo teniendo en cuenta la agenda del actor que querían que interpretara a Hank: Peter Krause. Muy metido en la tercera temporada de A dos metros bajo tierra, Krause reaccionó muy favorablemente al material.

  Krause cuenta “Es un material evocador que tiene numerosas interpretaciones posibles… Me gustaba el hecho de que el guión no te decía qué debías pensar de los personajes y sus relaciones y también el hecho de que tiene un final abierto. Da algo en qué pensar en vez de ser una historia que te cuenta qué es la vida o cómo es. Simplemente te deja ver un momento de estas cuatro vidas y sus relaciones”.

  Krause añade “Los personajes encarnan actitudes y comportamientos que me parece que están presentes en nuestra cultura – en concreto los matrimonios en ese punto en el que han sobrevivido a la primera infancia de los hijos. Parece ser que en ese momento sucede algo en que las cosas se disuelven de manera natural y hay que volver a invertir en la relación o se descompondrá. No puedes esperar que siga adelante sin conflictos y sin el crecimiento que deriva de los grandes conflictos. Creo que los personajes se encuentran en un momento de grandes conflictos que reflejan un periodo de grandes conflictos en el mundo, en la cultura que vivimos”.

  Una vez reunida la combinación perfecta de actores para interpretar los papeles principales, los productores debían dar una respuesta rápida para poner en marcha el proyecto. Harvey Kahn comenta “Se siguió un proceso creativo para localizar a estos cuatro actores, todos ellos muy ocupados, y luego estaba el reto de componer el puzle financiero en el momento adecuado para poder aprovechar el poco tiempo de que disponíamos de todos ellos juntos para poder rodar la película. Expuse esto a los inversores en Front Street y, a las 24 horas de esa conversación, se metieron del todo y financiaron la película. Estábamos tan contentos. Son cosas que no pasan muy a menudo”.

  Al preparar la producción, Curran trabajó estrechamente con el diseñador de producción Tony Devenyi y el cámara Maryse Alberti para definir la estética general de la película. El director buscaba crear una atmósfera atemporal que se complementara con su enfoque de la historia. Curran explica “No me interesaba hacer un manifiesto ‘contemporáneo’ de la infidelidad porque no creo que sea algo que cambie a lo largo del tiempo. La gente traiciona y todos acaban heridos en diverso grado, esto es así y siempre ha sido así, supongo. Como el guión se escribió en los años 70, me preocupaba que algunos elementos de la historia resultaran anticuados así que me empeñé en limpiar los personajes, el drama y el diseño hasta dejarlo en algo básico y atemporal.

  Con este fin, el equipo creativo desarrolló una paleta de colores otoñales poco saturados y el fotógrafo Alberti mantuvo la iluminación suave y baja, dando la impresión de una localización atemporal y sin especificar. Un pueblo genérico cualquiera. Como la mayor parte del conflicto se desarrolla en dos casas, las principales decisiones de diseño se debieron tomar respecto a esos decorados y los contrastes entre ellos.

  El diseñador de producción Devenyi cuenta “Las casas tenían que ser muy distintas porque evidentemente las dos mujeres que se ocupan de cada una de las casas están en un espacio emocional muy distintos. Las casas tenían que dar pistas sobre qué es lo que atrae a los maridos a sus contrarios. En casa de los Linden, usamos una gama de colores más oscura y todo estaba un poco sucio y tenía una especie de película encima, la casa está muy gastada, cansada, cayéndose a pedazos. La casa de los Evans, por otra parte, es muy limpia, está muy diseñada. Hay un sitio para cada cosa y cada cosa está en su sitio; cada marco de fotos está desempolvado y los libros están colocados perfectamente. En gran medida creamos imágenes opuestas y éramos conscientes de ello: de la diferencia en las luces, en la diferencia en el desorden”.

  Curran también se preocupó de rodar escenas que contrarrestaran el potencial agobiante de la serie de enfrentamientos. Curran señala “Tal y como está escrito el guión, básicamente hay dos interiores. Me preocupaba que acabáramos con una serie claustrofóbica de cabezas parlantes en distintos cuartos, algo que sólo haría por agravar la seriedad del material. Rodé en scope para dar profundidad y ‘aire’, para acomodar tomas dinámicas y para crear la sensación de paisajes en los interiores”.

  Para contrarrestar la seriedad del tema, el director escogió una herramienta conceptual poco común como principio para encuadrar las escenas que conducen a un estallido emocional. "Jack me parecía un arquetípico protagonista de una película del oeste que lucha con el atractivo de la libertad frente al calor doméstico, etc… Hablé con Mark sobre ello y le gustó mucho la idea. Esta idea influyó en gran parte de mis decisiones. Decidimos que Jack necesitaba un caballo, así que le pedimos a Tony que buscara una bici vieja”.

  Curran añade: “En cuanto vi a Mark montado en ella, supe que la última toma sería de él montado en la bici cabalgando hacia el horizonte, de vuelta a los suburbios”.

  El rodaje de YA NO SOMOS DOS comenzó a principios de abril de 2003. La película se rodó en 29 días en Vancouver, British Columbia.

  Los personajes secundarios los escogió Audrey Skalbania en Vancouver, incluyendo a Sam Charles y Haili Page como los niños Linden y Jennifer Bishop como Sharon Evans. Curran cometa “Todos eran mucho más maduros de lo que reflejaba su edad y comprendieron enseguida el hecho de que lo niños son los barómetros emocionales de sus padres”. Sonríe al recordar “Sinceramente, creo que lo que más les gustaba es que les dijera que fueran ariscos y desganados con sus padres. Es cuando más se divertían”.

  Con el talento de los pequeños actores entró en juego la casualidad. En el guión, el número de baile de Sharon era de ballet. Después de contratar a Bishop para interpretar el personaje, Curran supo que era miembro de un grupo de bailes escoceses. Curran comenta “La idea me pareció tan graciosa que deseché la idea del ballet y le pregunté si sus amigos se apuntarían. Fue su madre quien me habló del baile de ‘La esposa enfadada’ y del vestuario que llevan. Lo más difícil fue conseguir que la chica de la izquierda no se riera”.

  En el rodaje, los actores se enfrentaban al reto de capturar los traumáticos trastornos de la vida de los personajes al mismo tiempo que reflejaban el humor derivado del hecho de que unos adultos se encuentren en una situación tan incómoda. Curran afirma: “Buscamos el humor en las cosas familiares. Todos los actores tenían una relación y la mayoría tienen hijos, así que se podía sacar mucho de la experiencia colectiva de todos nosotros. Afortunadamente, todos teníamos la capacidad de reírnos de nuestros pequeños tics y debilidades como padres y como parejas y, al compartir estas experiencias, hubo algo que nos hizo reír y nos unió como humanos. Trabajamos mucho para conseguir meter estos momentos en la película”.

  Curran continúa: “Laura, por ejemplo, confesó sufrir la típica preocupación de que su niño siempre pasa frío, así que le pone dos camisetas para dormir aunque haya 40 grados. Y mientras lo contaba, todos los padres asentíamos porque todos hemos pasado por lo mismo, quitando capas de ropa a niños dormidos que sudan como pollos. Nos parecía importante salpimentar la película con estos pequeños momentos que aligeran el ánimo y capturan lo absurdo de la vida tal y como es un equilibrio entre el pathos y el humor”.

  Ruffalo comenta: “Cuando la situación se encontraba al borde de la sensiblería o la rudeza, este tipo de humor la alejaba del precipicio. Está claro que no todas las parejas han traicionado o tenido crisis tan graves como las que retrata esta película, pero no creo que nadie pueda decir que nunca hay sido infantil y cruel con sus seres queridos. Ése es el lugar natural del humor en la película, las situaciones y la energía nerviosa… y la vergüenza de reconocer aspectos de ti mismo en unos personajes que se portan tan mal”. A pesar del humor, los actores tuvieron que enfrentarse a las distintas traiciones cometidas por los personajes en la película a lo largo de todo el rodaje. Dern recuerda con humor “Para cada uno de nosotros, de formas distintas, hubo un momento en el que nos odiamos interpretando estos papeles”.

  Los otros actores se ríen y están de acuerdo. Watts dice “Entiendo que los hombres se hacen esas cosas, pero me costaba… No podía con la idea de una mujer haciéndole eso a su amiga, era muy difícil de aceptar. Me parece muy real, pero me costó mucho ser esa persona”.

  Krause añade “Para mí fue difícil, como padre, interpretar escenas en las que Hank es tan irresponsable y egocéntrico estando su hija”.

  A pesar de todo, los actores confiaban en la visión que tenía el director de la película y su sentido de la compasión para con los personajes. Ruffalo dice “Después de ver Praise, la primera película de Curran, noté una madurez en su trabajo y un maravilloso amor por la humanidad de cada uno de los personajes. No teme mostrar lo feo y lo vulnerable de las personas – pero sin intentar asustarte o escandalizarte, sino de tal forma que acabas queriendo abrazar y amar a estos personajes por sus problemas”.

  Dern dice “John tiene un don increíble como director, trabajando con los actores y como cineasta en general: el de ver y mostrar lo contrario de lo que podría sugerir el material. Justo cuando crees que una escena trata sobre el desprecio de uno por otro, él la ve como una historia de amor. O si a ti la historia entre Jack y Edith te parece lujuriosa y sexy, él la muestra como más calmada que la relación de Jack con su mujer. La vida está formada por polos opuestos y a John le interesan mucho”.

  Según avanzaba la producción, todos empezaron a preguntarse cuál sería el título de la película. Titulada “Adulterio” en un principio, la decisión de cambiar el nombre por el del cuento que más contribuye al guión, siguió una evolución parecida a la de los personajes cuando llegan a comprender sus propias acciones y a aceptar las consecuencias finales.

  El productor Goodman cuenta “El guión trata, en muchos aspectos, del autoengaño. Durante el rodaje llegamos a la conclusión, como grupo, de que llamarla ‘Adulterio’ era simplificarlo y reducía las intenciones y el significado de la película”.

  Watts elabora esta idea “Lo pensamos y lo hablamos. ‘Ya no somos dos’ resultaba más poético. Te hace preguntarte de qué irá la película. Sin embargo ‘Adulterio’ te hace pensar que no vas a ver más que asuntos sórdidos. Esta película tienen mucho más que eso. Trata las aventuras y la sexualidad, pero va mucho más allá”.

  Tratándose de una palabra tan llena de prejuicios, no fué difícil decidirse. Curran aclara: “Dubus estaba obsesionado con el brete en el que se ven inmerso los pecadores comunes que buscan alguna señal de redención. Escribía sin juzgar a sus personajes. En todo caso buscaba compasión o comprensión”.

Imágenes y notas de cómo se hizo "Ya no somos dos" - Copyright © 2004 Renaissance Films y Front Street productions. Distribuida en España por Vértigo Films. Todos los derechos reservados.

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