CÓMO SE HIZO "A LA
DERIVA"
Notas de producción © 2006
On Pictures
3. Concepto visual
El concepto visual de A LA
DERIVA fue el resultado del deseo de sumergir al público en la
historia – hacer del espectador el séptimo personaje dentro del
agua. Para poder cumplir con estos requisitos, la película se
diseñó con un estilo muy dinámico. Gran parte de las escenas de
acción se rodaron cámara en mano, para poder transmitir un
sentimiento de inmediatez y franqueza. Pero como el 80% de la
película transcurre en el agua, debíamos cuestionarnos cómo
manejar una cámara dinámica dentro del agua. Después de varias
pruebas, el equipo decidió ubicar la cámara en una caja
submarina atada a dos “boggie boards”. Esta técnica permitió a
los operarios utilizar el movimiento natural de las olas como
dinamismo de la cámara, o estabilizando la imagen anulando la
ola añadiendo peso adicional. Para presentar al espectador la
experiencia de ahogarse de primera mano, la cámara tenía que ser
sumergida en algunas escenas.
La elección
del formato de la película supuso un importante reto visual.
Debido a las limitaciones financieras, A LA DERIVA se rodó en
16mm en vez de 35mm que es más costoso. Ya que el inmenso
horizonte juega un papel tan importante en el mar, la historia
requería un ratio de pantalla de 1:2.35. Por todo ello, las
lentes de cinemascope de 35mm se combinaron con una cámara
normal de 16mm, y el resultado fue un formato cinemascope de
16mm.
Este difícil
proceso mereció la pena ya que abrió nuevas posibilidades
visuales. Por ejemplo, muchas escenas fueron rodadas como tomas
largas sin cortes, ya que en una única toma con el formato de
pantalla amplia, se podía conseguir mayor información. El
espectador tiene asimismo la posibilidad de elegir lo que quiere
ver. Este punto de vista subjetivo convierte al espectador en
parte del grupo, atrapado, yendo a la deriva.
La película
contiene asimismo muchos elementos clásicos de las películas
dramáticas, de acción y de terror. Se usaron numerosos
mecanismos estilísticos específicos del género. Por ejemplo, los
cineastas utilizaron varios "retimes" (cámara lenta extrema,
elipsis temporal), variaciones en el obturador, y procesos
especiales de laboratorio (revelado forzado y subrevelado).
Un ejemplo
perfecto es la escena crucial en donde Amy es lanzada al agua.
El momento de su caída fue rodada con un obturador de 22.5º, que
casi elimina el desenfoque normal del movimiento. Debido a la
variación del obturador, la imagen se mantiene nítida y al mismo
tiempo mantiene ese movimiento de cámara extraordinariamente
dinámico. Este método de rodaje subrayó el sentimiento de pánico
y de pavor de Amy.
El momento en
que su cuerpo vuela por los aires y cae al agua se alargó con
una cámara lenta extrema, para que resultara lo más dramático
posible. La siguiente secuencia en la que Amy se encuentra
tumbada sobre el agua, paralizada por el pánico, fue pensada
como una experiencia subjetiva para el espectador. Su parálisis
debía ilustrarse con imágenes muy estáticas. Por ello, atamos la
cámara al cuerpo de la actriz. En el fotograma, el fondo de la
imagen se mueve de forma normal mientras Amy permanece quieta y
en la misma posición.
Para
intensificar este efecto, la secuencia fue rodada a 6 fotogramas
por segundo en vez de los 24 fotogramas por segundo que es lo
normal, y digitalmente extendida a 24 fotogramas por segundo en
postproducción. El resultado obtenido es un efecto especial
borroso, que hace que todos los movimientos dentro de la imagen
aparezcan fuera de foco excepto Amy que permanece inmóvil. El
espectador consigue sentir el punto de vista subjetivo de Amy, y
únicamente puede suponer lo que está ocurriendo a su alrededor.
Además, toda
la escena fue rodada con película positiva y revelada como si
fuera negativo normal. El subrevelado dio un aspecto surrealista
modificando el color y el contraste de la escena original.
Se usaron
flashbacks cortos para representar el pasado doloroso de Amy.
Para distinguir estas secuencias del resto de la película, estas
partes se expusieron en película de alta velocidad a 18
fotogramas por segundo. Finalmente, la película se sometió a un
revelado forzado hasta en dos puntos para alcanzar el aspecto
granulado del Súper 8.
La película
se completó usando un intermediate digital que permitió a los
cineastas casar todos los diferentes efectos estilísticos.
Asimismo, permitió a los cineastas armonizar las numerosas tomas
exteriores, y crear un aspecto homogéneo a través de toda la
película. Por ejemplo, durante el rodaje en Malta, por la
mañana, el agua era de un color azul, pero a mediodía, aparecía
de una tonalidad verdosa bajo el cálido sol de mediodía, y por
la tarde, adoptaba un tono azul claro. Estas diferencias
extremas de colores en el agua pudieron arreglarse durante el
proceso digital. De todas formas, la mayor parte de los efectos
visuales se consiguieron a través de la cámara y no
digitalmente. Este acercamiento “natural” da a la película un
sentimiento más auténtico y granulado.
Finalmente,
podemos resumir A LA DERIVA como una historia escalofriante con
personajes comprometidos emocionalmente. El estilo visual único
de la película fue una parte esencial que permitió transmitir
esa visión a la gran pantalla.
4.
El diseño
>>
Imágenes, sinopsis
y notas de cómo se hizo "A la deriva" - Copyright © 2006
Summit Entertainment, Orange
Pictures, Shotgun Pictures, Universum Film y Peter Rommel
Productions. Distribuida en España por On Pictures. Todos los derechos
reservados.
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