Quizá el hecho de que “Los fantasmas de Goya” vea la luz ya en el siglo XXI haya tenido que ver en su rica mezcla de géneros, alejándola de lo que hubiera podido ser si Jean-Claude Carrière (guionista) la hubiera articulado únicamente alrededor de la figura del pintor, o si Milos Forman (guionista y director) la hubiera escrito como documental tras leer, hace ya cincuenta años, el libro sobre la Inquisición que le hizo concebir la idea inicial. De modo que, combinando el talento de ambos, el largometraje huye del citado convencionalismo y, además de contar con la ambientación y el personaje, no descuida el drama, el debate trascendental ni la crítica político-social. Estamos, pues, ante lo que sería el siguiente paso natural del premiado Forman, tomando como principales referencias a "Amadeus" (1984), en cuanto a cine biográfico, y a “Alguien voló sobre el nido del cuco” (1975), en lo que a crítica abierta se refiere.

  El filme nos sitúa en la villa de Madrid el año 1792, donde el Santo Oficio se encuentra en la cúspide de su persecución a los herejes. Una de sus primeras víctimas es Inés (Natalie Portman), hija de un adinerado mercader y musa del pintor Francisco de Goya (Stellan Skarsgård). El hermano Lorenzo (Javier Bardem), miembro de la Inquisición, es también retratado por el pintor, lo que cierra, ya desde un principio, el círculo entre los tres personajes principales, que serán víctimas, cada uno de un modo u otro, de los acontecimientos de principios del siglo XIX.

  La película se estructura claramente en dos mitades heterogéneas, diferenciadas tanto por su contexto (antes y después de la invasión francesa de 1808) como por el comportamiento de los protagonistas. Sin embargo, el mensaje que Forman pretende transmitir en cada una es el mismo: la esperanza de una libertad verdadera. En esencia, esa libertad se presenta, en primer lugar, como antítesis a los métodos de la Iglesia, aunque también más tarde de la Revolución Francesa, donde el director utiliza las pinturas del cuasi visionario Goya para demostrar que ambas doctrinas son igual de inválidas por servirse del horror como herramienta para mantener el poder. En la segunda mitad, en cambio, se hace hincapié en el lado humano del artista para ilustrar esa esperanza, ya que relega a un segundo plano las pinturas para que sea la figura individual de la que fuera su musa quien asuma importancia.

  Se antoja inevitable la analogía entre el personaje de Goya, excelentemente encarnado por Skarsgård, y el mismo Milos Forman. El director prácticamente se personifica en el pintor, expresando su histórica lucha contra el nazismo y el comunismo de su Checoslovaquia natal con el retrato mordaz de Goya hacia los líderes de su tiempo, lo que confiere al metraje cierta dimensión crítica no sólo con la primera mitad del siglo XX, sino hasta nuestros días. Al margen de su personaje, que es el indudable protagonista de la obra desde el punto de vista del debate trascendental por la libertad, no ocurre así desde el ángulo dramático, donde acude prácticamente de observador de primera línea de las espléndidas actuaciones de Portman y Bardem. Ambos ponen ante la cámara una representación memorable, haciendo valer el peso que tenía en sus guiones la interpretación como auténtico vehículo narrativo y consiguiendo emocionar al espectador en las escenas clave.