En esta matizada aproximación, no propiamente pacifista ni patriótica, asistimos a un análisis sobre la ficticia construcción del héroe, algo necesario en una sociedad que atravesaba momentos de guerra donde se precisaba esperanza y también fondos para llevarla a término. Eastwood dirige su mirada hacia toda la maquinaria de propaganda que entonces se puso en funcionamiento buscando una implicación social y financiera en la empresa, incluso a costa de la verdad –sabremos que fueron dos las banderas levantadas, y que los verdaderos héroes eran los caídos–, y pasando por encima de los sentimientos de unos jóvenes inexpertos a los que se empujaba a construir su vida sobre la mentira, utilizados para la causa, para ser luego abandonados a su suerte: es el drama de unos veteranos con pesadillas post-bélicas que recuerda al recogido por William Wyler en “Los mejores años de nuestra vida”, donde también se abordaba la difícil vuelta a la vida civil de otros tres héroes de guerra.

  El director de “Sin perdón” se empeña, desde el inicio, en mostrar y defender una tesis, y lo hace de manera reiterada y machacona, con un guión que huye de estereotipos –aunque ceda ante algún tópico racista–, que recurre a frecuentes flash-back y flash-forward para enfrentar y contrastar la realidad de los hechos con la ficción ofrecida según intereses políticos. Por eso, articula la historia en tres niveles de realidad que va presentando con imágenes tratadas según diversos discursos, estilo fotográfico, planificación y puesta en escena. Por un lado, a modo de documental, el hijo de uno de los héroes aborda una investigación sobre lo sucedido en aquellos momentos de 1945, con entrevistas a los supervivientes y recuerdos de su padre, en lo que pretende ser la narración más veraz y desdramatizada de lo sucedido. Por su parte, otro plano de representación atiende a los momentos “reales” de preparación y desarrollo de la batalla, con un estilo hiperreralista de crudas y violentas imágenes de guerra, con errores de estrategia y acciones salvajes incluidas, todo recogido por una cámara nerviosa, elaborado en un montaje rápido y con una fotografía filtrada en blanco y negro: son los instantes de un desembarco que recuerda al de Steven Spielberg –aquí productor– en "Salvar al soldado Ryan", y que constituyen un alarde técnico de rodaje y montaje. En tercer lugar, la necesidad de recaudar fondos para terminar la guerra propicia que el Estado Mayor decida hacer su propia “puesta en escena” de la toma del peñón, con unos héroes a los que pasea por el país siendo vitoreados y fotografiados, entre discursos y flashes: es el puro espectáculo lleno de una fatua parafernalia que Eastwood alterna con imágenes del intenso bombardeo y de las sangrientas muertes de Iwo Jima. Así, a fuerza de repetición y contraste, el director incide en cómo la leyenda enterró y ocultó la realidad –como Ford hiciera en “El hombre que mató a Liberty Valance” con el dúo Doniphon-Ransom–, y cómo los medios de comunicación estatales crearon su propia historia y levantaron sus interesadas banderas.