Sin embargo, dentro de la polémica sobre su falsedad, Clint Eastwood se mantiene en un desconcertante papel de árbitro que no procura resolver el partido, sino desestabilizarlo aún más. Al comienzo de “Banderas de nuestros padres”, dos soldados y un marine recrean el momento en que clavaron el símbolo de la victoria para un estadio repleto de ciudadanos emocionados. Ya desde esta imagen se nos advierte de la conversión de la guerra y sus protagonistas en un espectáculo cuya falsedad, como la fotografía, no es reconocida por el director, pero sí explícita. Al premiado autor de "Million dollar baby" le importa poco ese tema, sobre el que pasa de puntillas, y, como en su anterior filme, prefiere centrarse en los aspectos más humanos sin miedo a rozar el maniqueísmo que algunos ya entrevieron en cintas previas.

  Pero el mayor problema de su nueva producción no es de calado narrativo, aunque el guión de Paul Haggis y William Broyles Jr. se resiente de unos saltos temporales que poco ayudan a aclarar las relaciones entre los protagonistas, estropeando un arranque fluido con una decadencia progresiva hasta la molesta y aleccionadora voz en off del final. La confusión de estas elipsis evidencia de qué pie cojea Eastwood ante una historia tan ambiciosa: por momentos parece que no sabe por qué polo decantarse, si por el campo de batalla o la traumática vuelta al hogar. Entre los encontronazos en la lucha con los japoneses y el tour promocional de los tres soldados que lograron sobrevivir a ellos, la fuerza emotiva pretende repartirse igualitariamente con un resultado poco arriesgado. Aunque la premisa del trío que vuelve a casa remite a “Los mejores años de nuestra vida”, a diferencia de la magnífica película de William Wyler, Eastwood quiere dejar claros los antecedentes de sus protagonistas y de dónde proceden las voces que los atormentan. Sólo en el último tramo se apuntan unas respuestas demasiado palmarias, y el director vuelve a hacer gala de su maestría al recurrir a las celebraciones sociales como una metáfora de la fingida felicidad norteamericana. El paseo cada vez más impertérrito de los excombatientes contrasta con el sencillo mal gusto reinante en el politiqueo: ese postre con forma de soldados cubiertos de mermelada o las madres de los caídos que pasan de figuras homenajeadas a simples invitaciones que gastar o ahorrarse.

  Mientras en ese lado de la película la acción transcurre sin grandes giros ni reflexiones –la obsesión ajena por el heroísmo y el vacío significado del sacrificio militar fueron mejor explicadas en cintas como "Tigerland" o "Salvar al soldado Ryan"–, los flashbacks hacia la guerra, los que ofrecían el verdadero punto de partida, se ven perjudicados por tres motivos. En primer lugar, la dispersión argumental que los vuelve demasiado dependientes de la interpretación que se les da en la parte paralela. Por otra parte, un reparto no sé si endeble o mal aprovechado, aunque presencias como la del pan sin sal de Ryan Phillippe no añaden mucho y otras, como la de Jamie Bell, se abandonan enseguida sin redondear sus personajes, mucho más interesantes. Sin la química obligatoria dentro del pelotón –requisito indispensable en los mayores hitos, como “Platoon” o "Apocalypse now"–, al espectador se le obliga a que escoja entre los tres cabos que vuelven a casa, y, fuera ya el susodicho Phillippe (Doc), sólo quedan Jesse Bradford (Rene) y su insufrible novia o, el mejor en interpretación y construcción dramática, Adam Beach (Ira). Y, en último lugar, los episodios nipones sufren la influencia de todos los recursos empleados en cintas similares –y la mano productora de Steven Spielberg–, incluso con algunas instantáneas aéreas al más puro estilo "Pearl Harbor", aunque, al margen de ciertas manías de composición, la belleza de la fotografía de Tom Stern regala las mejores instantáneas de todo el metraje –y con excelentes resoluciones formales, como el soldado que, a contraluz, sirve para relatar todo el desánimo de la situación–.