BEOWULF

CÓMO SE HIZO "BEOWULF"
Notas de producción © 2007 Warner Bros. Pictures

  Ambientado en una época mágica velada por las brumas del tiempo, repleta de héroes y monstruos, de aventura y valor, de oro y gloria, Beowulf, un hombre excepcional, emerge para salvar un antiguo reino de Dinamarca de la aniquilación por una impía criatura. En consecuencia, este legendario Vikingo de 1,98 metros de alto, rebosante de atrevida confianza y ambición, fue el sucesor del trono. El nombre de Beowulf se oye por todo el reino y se cantan canciones que cuentan sus excepcionales proezas y hazañas después de haber salvado al Rey Hrothgar, cuyo reino ha sido devastado por Grendel, un despiadado monstruo que ha torturado y devorado a sus residentes, dejándolos en un constante estado de pánico y terror. Al salvar el reino de esta bestia salvaje, Beowulf adquiere fama y dinero para sí mismo. Le llegan grandes riquezas y abrumadoras tentaciones. Lo sabiamente que maneja su nueva situación de poder definirá para siempre su destino como guerrero, como campeón, como líder, como esposo y, lo que es más importante, como hombre. Beowulf es el poema épico más antiguo del idioma inglés que ha llegado a nuestros días. Aunque la adaptación de la película de Robert Zemeckis contiene muchos de los personajes y temas del poema – grandes monstruos y héroes, el eterno conflicto entre el bien y el mal, y una exploración concienzuda de la naturaleza del valor y la gloria – no es desde luego el Beowulf del profesor del Instituto donde usted estudió. “Francamente, no me atraía nada de lo referente al poema original. Recuerdo que me mandaron leer este poema al comenzar la enseñanza secundaria y no pude comprenderlo porque estaba escrito en inglés antiguo”, reconoce Zemeckis. “Fue uno de esos horribles deberes. Después de esto, yo nunca pensé realmente en este poema, nunca consideré que podría ser una historia interesante. Pero cuando leí el guión que hicieron Neil Gaiman y Roger Avary, me sentí cautivado inmediatamente. Les pregunté: ‘¿Qué es lo que hace que esta historia sea tan fascinante cuando el poema me pareció tan aburrido?’ Y la respuesta fue: ‘Bueno, veamos, el poema fue escrito en algún momento entre los siglos VII y XII. Pero la historia se contaba desde algunos siglos antes. Las únicas personas que sabían escribir en el siglo VII eran los monjes. Por lo tanto, podemos suponer que hicieron muchos recortes o revisiones’. Neil y Roger exploraron el texto minuciosamente, leyendo entre líneas, cuestionando las lagunas del material original y volviendo a añadir lo que creían que podían haber suprimido (o añadido) los monjes y por qué. Han conseguido conservar la esencia del poema pero lo han hecho de una forma mucho más accesible al público moderno y de paso han realizado algunos descubrimientos revolucionarios. Esto debería provocar algún debate académico”.

  Mientras que trabajaba con los escritores del guión para desarrollar más la historia, Zemeckis se convirtió en un estudioso del tema hasta tal extremo que si su profesor de Instituto lo hubiera visto hubiera estado orgulloso de él. “Una vez que me cautivó el guión, volví a leer el poema, hablé con los eruditos sobre el tema de Beowulf y me metí de lleno en la leyenda. Muchos de los temas tratados en Beowulf fueron sacados de la Biblia – el heroico viaje de un hombre, la lucha entre el bien y el mal y el precio de la gloria. Y como verán, Beowulf es la base de todos nuestros héroes modernos, desde Conan hasta Superman y el Increíble Hulk”.

  “Lo que hace que sea tan atractiva la leyenda de Beowulf es que está inmersa en ese gran mundo épico, mitológico, de acción y aventuras con monstruos y seductoras, criaturas que ciertamente han existido, al menos en nuestro subconsciente, desde tiempos remotos,” añade el productor Jack Rapke.

  Retrospectivamente, Gaiman y Avary parece que tienen los talentos perfectos para este proyecto. Gaiman, como se detalla en su biografía, “… aparece en el Dictionary of Literacy Biography como uno de los diez escritores post-modernos vivos más importantes y es un prolífico creador de prosa, poesía, películas, periodismo, historietas cómicas, letras de canciones y obras de teatro”. En particular, Gaiman es adorado por los fans de sus libros de historietas cómicas por su serie cómica DC Sandman, por la que obtuvo nueve premios de la Industria de Historietas Cómicas Will Eisner y tres premios Harvey; Sandman #19 obtuvo el Galardón World Fantasy en 1991 por el mejor relato corto, siendo la primera historieta cómica que ha obtenido un premio literario.

  Avary es igualmente famoso por sus sombríos, tensos e innovadores guiones y películas, incluyendo su guión ganador de un Oscar® para la película “Pulp Fiction,” (compartido con Quentin Tarantino), sus influyentes películas de culto como director, “Killing Zoe”, ganadora del premio de Cannes très spécial, y la adaptación de la novela de Bret Easton Ellis The Rules of Attraction.

  Gaiman y Avary empezaron a colaborar en un principio cuando decidieron trabajar juntos en una versión para la pantalla de Sandman, de Gaiman. Aunque ese proyecto nunca llegó a buen término, ambos reconocieron que eran almas gemelas. Sin embargo, la adaptación del poema Beowulf para la pantalla resultó ser un viaje largo, extraño y al final gratificante para Gaiman and Avary.

  “Roger y yo congeniamos durante el proyecto de Sandman. Me gustó mucho Roger y la forma en la que trabajaba su mente,” dice Gaiman. “En un determinado momento, Roger me dijo que él siempre había querido convertir Beowulf en una película, pero que nunca había podido encontrar una forma de enlazar los dos primeros actos con el tercero porque su estructura empieza con la lucha de Beowulf, sigue con la lucha de la madre de Grendel y luego avanza 50 años cuando Beowulf lucha con el dragón. Esta no es la estructura normal de tres actos de los guiones de cine. Yo sugerí varias formas que podrían funcionar. Hubo una pausa y Roger dijo: ‘¿Cuándo estás libre?’”

  Básicamente, Neil vino con la clave fundamental de una teoría de campo unificada de Beowulf, en la que yo había estado trabajando durante una década.” dice Avary. “El poema me ha parecido siempre inconexo, deshilvanado y, en particular, Beowulf nunca me pareció que era el más fidedigno de los narradores. Por ejemplo, Grendel nunca ataca a Hrothgar; solamente le atormenta. ¿Por qué? Esto hizo que me plantease la siguiente sencilla pregunta que por algún motivo nadie se había planteado antes: ¿quién es el padre de Grendel? Esto realmente me intrigaba. Todo el comportamiento de Grendel empezó a tener sentido al examinarlo bajo esta perspectiva. Posteriormente, Beowulf arranca el brazo de Grendel y Grendel sale de su cueva para morir. Después de la represalia de la madre de Grendel, Beowulf entra en la cueva, aparentemente para matar a la madre de Grendel. Y sin embargo sale de la cueva con la cabeza de Grendel, no con la cabeza de la madre, lo cual es realmente desconcertante. Beowulf dice que ha matado a la madre de Grendel, pero es sólo lo que dice. ¿Dónde está la prueba de que ha matado a la madre? Me pareció obvio el hecho de que Beowulf había caído en las mismas tentaciones en las que yo supuse que había caído Hrothgar – las tentaciones de una sirena. Había hecho un pacto con un demonio.

  “Luego, en la segunda mitad del poema,” continúa Avary, “después de que Beowulf se haya convertido en rey, un dragón le ataca a él y a su reino. No me explico cómo puede encajar esto en el relato. Le expuse a Neil mis teorías, cuando a él se le ocurrió la sorprendente idea de que el dragón podría ser el hijo de Beowulf – su pecado se le vuelve contra él y le atormenta. Repentinamente, las dos mitades de la historia épica de Beowulf, que siempre habían parecido inconexas, encajan y cobran perfectamente sentido. Si hubiera sido una serpiente me hubiera mordido. Es muy posible que estos elementos de la estructura se hayan perdido a través de cientos de años de transmisión verbal, y que además hayan sido diluidos por los monjes cristianos, quienes añadieron elementos del cristianismo cuando lo transcribieron al pergamino que conocemos ahora con el nombre de MS Cotton Vitellius A.xv." Gaiman y Avary no son los primeros en darse cuenta de la deshilvanada que es la estructura del poema original. David Wright menciona en la edición de Penguin Classics de Beowulf que “… los primeros críticos y comentaristas de Beowulf y muchos otros críticos posteriores han sido sarcásticos sobre lo deshilvanado que es su argumento. Porque el poema es también una especie de batiburrillo, lleno de fragmentos de la historia de tribus escandinavas y rebosante de referencias desordenadas a acontecimientos y leyendas aparentemente irrelevantes.” Wright observa también que J.R.R. Tolkien, creador de El Señor de los Anillos, apreció la fuerza del poema. En su famoso ensayo, Beowulf: The Monsters and Critics, Tolkien observó, entre otras cosas, que, aún cuando Beowulf es un superhéroe en toda regla, es, al fin y al cabo humano, y sus características también humanas contribuyen a su caída. “Es un hombre y esto para él y para muchos es ya una tragedia.” Zemeckis vio al héroe de forma similar. “Nuestro Beowulf es un poco más imperfecto, más un héroe humano que un dios. No es un personaje de Thor. Es realmente una persona que tiene muchos defectos, siendo el orgullo desmedido el principal de ellos”.

  Seguramente, Tolkien no se divirtió tanto como Gaiman y Avary al escribir sobre su personaje principal. “Roger y yo volamos a México y allí estuvimos en una casa que nos dejó un amigo durante una semana,” dice Gaiman, “una semana de absoluta locura. Estuvimos rodeados de traducciones de Beowulf, todas las que pudimos hallar, todas ellas diferentes, incluyendo algunas escritas en inglés antiguo en una página y traducidas al inglés actual en la otra página. Cogimos los ordenadores y nos pusimos a escribir como locos. Regresamos a casa con un guión, que Bob Zemeckis leyó e inmediatamente quiso utilizar”. Zemeckis, que con su innovadora película “The Polar Express” inició un nuevo formato que él creó denominado “captación del movimiento”, se dio cuenta de que su nueva forma artística se prestaría perfectamente para ser empleada en el “Beowulf” –épico de Gaiman y Avary, un relato poblado de personajes que desbordan la realidad – grandes héroes y demonios – y batallas espectaculares, situado todo ello en una tierra mítica.

  “Bob vio las posibilidades de contar este relato con el nuevo estilo que habíamos desarrollado en ‘Polar Express,’” dice el productor Steve Starkey. Una de las ventajas que proporciona la “captación del movimiento”, dice Starkey, es que se presta menos atención a la tecnología y más atención a los actores. Se fijan muchos sensores digitales a las caras y a los cuerpos de los actores, utilizando trajes de licra que se adaptan a sus anatomías, para poder “captar” las actuaciones en directo de los actores e introducirlas en un ordenador. Toda la acción tiene lugar en una caja invisible denominada volumen, que se divide en cuadrantes que pueden albergar hasta 40 cámaras. (El volumen es la captación hablada del movimiento para el estudio de sonido y se llama así porque permite que varias cámaras fotografíen las escenas en un espacio tridimensional. La fórmula geométrica clásica de “volumen” es “x”, “y” y “z”, que representan ancho, alto y largo). Específicamente, un volumen es la zona que enfocan todas las cámaras, dentro de la cual se pueden captar todos los datos de la cara y del cuerpo. Las tomas o “beats” de varias sesiones de captación pueden ser montadas, mezcladas y acopladas y, tal como Zemeckis lo ha demostrado en “The Polar Express,” el resultado puede ser un nuevo medio innovador que no tiene nada que ver con el estilo “acartonado” de los dibujos animados (“cartoons”) y que se acerca más bien a un calco de la expresión creativa real de los actores y del director.

  Ahora, con “Beowulf,” Zemeckis estaba preparado para llevar la tecnología al siguiente nivel. “Cuando haces una película con captación del movimiento tienes la posibilidad de hacer dos formas de “casting”, una para el movimiento y otra para la imagen o apariencia, lo cual significa que puedes separar realmente la imagen o apariencia de un personaje en la película de la imagen o apariencia personal del actor que interpreta dicho personaje,” dice Starkey. “Este es uno de los motivos por los que decidimos hacer la película con este estilo; por ejemplo, nadie en este planeta se parece al personaje que Bob previó para Beowulf ni podía actuar al nivel deseado por Bob para esta película. Beowulf desborda la realidad y no hay ni un solo actor humano que pueda personificar todo lo que Bob vio en este personaje. Por lo tanto, ¿cómo mezclas estos dos aspectos irreconciliables? Eligiendo en un casting al mejor actor posible y creando en el ordenador ese personaje con una apariencia que recuerda a un Cristo de 1,98 metros. Lo mismo sucede con Grendel. Si estuviéramos haciendo un Grendel para una película tradicional, hubiéramos puesto una marioneta de 3,66 metros en el plató creando gráficos de ordenador adicionales. En ese caso, tendríamos el intérprete perfecto, que retrataría todo el sufrimiento y todo el dolor de Grendel pero sin estar limitado por prótesis ni por vestimentas poco confortables. Si hubiéramos rodado esta película de forma tradicional nunca hubiéramos podido hacer todo esto”, concluye Starkey.

  “Al tratarse de una fábula mitológica, la exigencia de realismo en la fotografía no era tan importante como pudiera parecer,” añade el productor Rapke. “Además, reproducir el mundo visual conceptual que previó Bob sería casi imposible en un mundo 2D. El utilizar este proceso nos dio la oportunidad de elegir a cualquiera que considerásemos que era el actor perfecto para cada uno de los papeles. Así pues, para nosotros, esta era la mejor forma de superar algunos obstáculos y de hacer muchas cosas que hubieran sido imposibles en un formato de acción con personajes reales”.

  Avary añade que la captación del movimiento consiguió la película de la forma que él siempre había previsto y, además, ofreció posibilidades casi ilimitadas.

  “Lo más interesante para mí fue que el proceso de captación del movimiento posibilitó realmente que la película se realizase en base al movimiento. Yo siempre la había considerado como una pieza de cámara – se desarrolla en la corte, y hay intrigas entre la gente con sus múltiples relaciones. Yo siempre había deseado que fuera una experiencia emocional totalmente formada. También recuerdo a Bob diciendo: ‘Vamos muchachos, haced todo lo que queráis – cuando Beowulf lucha con el dragón, haced que luche realmente con el dragón.’ No tuvimos ninguna restricción, por lo que Neil y yo pudimos escribir sin las trabas que hubiéramos tenido normalmente en una película,” observa Avary.

  Aunque Avary había escrito inicialmente el guión de la película con la intención de dirigirla él mismo, finalmente comprendió que el modelo de captación del movimiento de Zemeckis era la mejor forma de llevar sus ideas a la pantalla. Lo que sorprendió y complació a Avary fue que él continuaría participando en el proceso de realización de la película.

  “En la mayoría de los demás escenarios de Hollywood me hubieran enviado a un “gulag” en Siberia. Es lo que yo esperaba. Al hacer exactamente lo contrario queda demostrado no sólo lo grande que es Bob como director sino también lo grande que es como hombre. Sin ningún egoísmo, me invitó a unirme al círculo. Se dio cuenta de que Neil y yo teníamos un punto de vista distinto sobre la película y le complació nuestra participación y nuestra aportación en todo momento,” explica Avary.

  Esencialmente, la captación del movimiento eliminaba en la ecuación del casting factores como el aspecto, la edad, el color y el sexo. Al elegir Zemeckis a Ray Winstone para interpretar el personaje principal vemos un ejemplo paradigmático de la libertad que proporciona en el casting la captación del movimiento. Inicialmente, Zemeckis no había pensado en Winstone, pero cuando oyó la voz característica del actor se convenció de que había encontrado a la persona idónea para su Beowulf. “Mi esposa estaba viendo a Ray actuar en una adaptación de ‘Enrique VIII’ para la televisión y yo oí su voz y dije: ‘¡Dios mío, esta voz suena como si fuera la de Beowulf!’ Fui a verle y me di cuenta de que tenía mucha fuerza y esa habilidad para sacar la parte animal de su humanidad. Esa es una parte importante de Beowulf – es realmente visceral. Sólo se preocupa de a quién matar, de lo que puede comer o de sacar provecho de alguien. Ray es un sorprendente e impactante actor que tiene la habilidad de sacar ese aspecto primigenio,” dice Zemeckis.

  Nadie quedó más sorprendido que Winstone cuando Zemeckis le ofreció el papel. “Estaba actuando en Nueva York, con la película ‘Infiltrados’ de Martin Scorsese, cuando me comunicaron que querían verme para que interpretase ‘Beowulf.’ Viajé a Los Angeles para entrevistarme con Bob, y pensé: ‘estoy haciendo un largo desplazamiento para una entrevista de trabajo’, pero lo hice porque estaba convencido de que es un genio. Me preguntó qué pensaba del guión y yo le contesté que pensaba que era el relato de un hombre cuya codicia por el dinero y ambición de poder y fama finalmente le consume. Es un monstruo más grande en muchos aspectos que cualquiera de los demonios a los que se enfrenta. A medida que avanzaba la conversación, me dí cuenta de que no Bob no tenía intención de hacerme una prueba, y de que, en realidad, lo que Bob quería es que yo actuase en la película, lo que me impactó profundamente,” recuerda Winstone.

  Los elementos de aventura del guión atrajeron a Winstone ya que le ofrecieron la oportunidad de profundizar en un medio que era nuevo para él. De forma sincera, Winstone es el primero en decir: “… yo no sabía nada sobre el poema original. Mis hijos me dijeron que ellos sí sabían algo. Pero (el guión) es una historia fantástica y yo siempre he deseado interpretar a un Vikingo. Lo magnífico de esta técnica (la captación del movimiento) es que permite que alguien como yo, que mido 1,55 metros, y que estoy un poco gordo, pueda interpretar a un rubio Vikingo de 1,98 metros. En principio, este procedimiento me pareció complicado y algo incómodo, pero me chifla poder experimentar cosas que creo que no puedo hacer, así que estuve muy entusiasmado por tratar de hacerlo,” dice Winstone.

  Un atractivo igualmente importante para Winstone fue el reparto estelar de actores y actrices que Zemeckis había reunido. “Las personas que trabajan en esta película son asombrosas – la lista prosigue. Anthony Hopkins ha sido uno de mis favoritos desde que yo era un niño, y he disfrutado sólo con verle actuar. Yo he actuado con Robin Wright Penn en Londres y es una actriz estupenda, como también lo es Angelina Jolie, a la que conozco desde hace cinco años y es sencillamente fantástica. Y Brendan Gleeson, mi antiguo compañero, con el que actué en “Cold Mountain”, Crispin Glover y John Malkovich, son muy inteligentes e ingeniosos. Son excelentes actores, sabía que aprendería algo con un trabajo como éste, sólo trabajando con ellos,” dice Winstone.

  Zemeckis observa que la captación de la interpretación, además de hacer posible el deseo de Winstone de interpretar a un Vikingo, proporcionó a todos los actores la satisfacción de actuar libres de las exigencias de rodaje de la cinematografía convencional. “Lo que me gusta la captación del movimiento es que permite que el actor proporcione al director esos momentos mágicos, esas cosas que hace el actor y que nunca esperarías que las hiciese”, explica Zemeckis. “Tienes un campo abierto en el que el actor puede aportar al personaje lo que quiera porque no se tienen las mismas restricciones que en una película de acción en vivo, con personajes reales.

  Los actores están liberados de la tiranía de una película normal – no hay problemas sobre la iluminación, ni sobre la colocación de la cámara, ni sobre los peinados, el maquillaje o el vestuario. Es la interpretación absoluta, y a los grandes actores, como los de esta película, les encanta esto. No es necesario interrumpir la escena para obtener cobertura – nosotros hicimos tomas gran angulares y primeros planos al mismo tiempo. Por lo tanto, los actores dictaban el ritmo de las escenas que rodábamos desde el principio hasta el final, y esto se hizo en la medida de lo posible. Fue como en el teatro, excepto que las escenas se grababan en 3D”.

  Anthony Hopkins, que interpreta el papel del Rey Hrothgar, observa que la técnica de la captación del movimiento unida al estilo de la dirección de Zemeckis ha contribuido a una atmósfera abierta y relajada que ha ayudado al proceso creativo. “Lo interesante acerca de esta forma de actuar – sin decorados, sin vestuario, sólo con ridículos vestidos con sensores en todo el rostro, es que se puede hacer la escena y todo va muy rápidamente por que no es necesario interrumpirla de la forma en que se hace en una película convencional. Y Robert Zemeckis es un director completamente libre y fácil, aunque tiene una marcada visión y sabe lo que quiere. Rodábamos una escena de cinco o seis páginas entera y después de unas cinco o seis tomas, cuando Bob estaba seguro de que había obtenido las interpretaciones, seguíamos adelante. Así pues mi personaje aparece al principio de la película, quizás en las páginas tres o cuatro del guión, y termina en la página 76, pero yo actué en la película sólo durante unos ocho días, siendo imposible hacer esto en tan poco tiempo en una película tradicional. El primer día estuve algo preocupado pero este procedimiento infunde una gran sensación de libertad, de que todo funciona,” dice Hopkins.

  El Rey Hrothgar esconde un pasado secreto que reaparece para cernirse sobre él y sobre su reino adoptando la forma del monstruo Grendel. Sin embargo, hasta la aparición del horripilante aspecto de Grendel, Hrothgar lleva una vida estupenda y disfruta de ella; él y su pueblo son despilfarradores y amantes de los festejos, participando en actividades y placeres sensuales siempre que pueden.

  “Yo pensé: bueno, Hrothgar es un hombre de su pueblo, y al principio de la película interpreté este papel de una forma abierta y sincera como si fuera un bufón borracho, lo cual fue divertido. También encontré algunos elementos oscuros en él y fui a por ellos: traté de encontrarlos: interpreté el papel de este personaje a otro nivel”, explica.

  Hopkins, primer actor del reparto, decidió hablar con su acento galés nativo “porque el galés es un idioma que tiene miles de años de años de antigüedad.” Zemeckis observa que “hubo largos debates sobre cómo el idioma galés pudo haber surgido del inglés antiguo. Sea como fuera, cuando Anthony decía con su acento galés las maravillosas frases que escribieron Roger y Neil sonaban perfectamente”.

  La cadencia cantarina de Hopkins fue la pauta para los demás actores. “Todos decidimos adoptar un acento galés,” dice Robin Wright Penn, que interpreta el papel de la esposa de Hrothgar, la encantadora y desventurada Reina Wealthow. “Es obvio que la acción de este relato transcurre en Dinamarca pero fue escrita en inglés antiguo y Tony tenía un marcado acento galés de forma natural. Parecía una posición intermedia adoptar el acento galés, en vez de utilizar el inglés tradicional, ya que no se podía utilizar el inglés antiguo porque nadie lo entendería. El diálogo nos sugería poder arrastrar las erres y el acento galés nos permitió hacer esto”. Wright Penn y Zemeckis habían trabajado juntos antes en la película “Forrest Gump”, galardonada con varios premios Oscar®.” Como en dicha película, “Beowulf” continúa relatando la historia de su personaje durante varias décadas.

  “Robin es sutil, maravillosa y real y pone el máximo interés en todo lo que hace como actriz. Aportó madurez a su papel, aunque interpretaba a Wealthow, una muchacha de 16 años. Esta es otra de las ventajas de trabajar con el sistema de captación del movimiento. Robin pudo aportar toda su experiencia a su papel y la técnica permitió que apareciera como una adolescente y que siguiera su saga como persona adulta. Estuvo sencillamente magnífica. Comprendió el tormento y el dolor que le infligía Beowulf y actuó con un realismo que quita el aliento” dice Zemeckis.

  Beowulf se enamora de Wealthow cuando acude a salvar el reino de su esposo. Pero como el Rey Hrothgar, los fatales errores de Beowulf, su ambición por el poder y la gloria, su debilidad por otras mujeres y el acuerdo al estilo de Fausto que hace con la demoníaca pero cautivadora seductora, envenenan por último su relación con Wealthow.

  “Wealthow se casa muy joven con el Rey Hrothgar, en un matrimonio concertado, y él le es infiel,” observa Wright Penn. “Wealthow se enamora después de Beowulf cuando éste acude a salvar a ambos y, tristemente, los acontecimientos se repiten. Ella se enamora del héroe y cierra los ojos a lo que es el verdadero heroísmo. Beowulf es un héroe pero, en última instancia, es un ser humano y cuando éste la traiciona, igual que hizo el rey, ella se desenamora y pierde el amor y la admiración que sentía por él”.

  El relato requería que Wealthow sufriese varios momentos de angustia emocional y Wright Penn observa que el sistema de captación del movimiento la ayudó en su actuación en dichas escenas. “El ritmo era increíblemente rápido y la sensación de que podíamos actuar sin escenario fue magnífica. No es necesario estar 12 horas en un escenario con tomas desde 4.000 ángulos diferentes. Algunas veces acabábamos de interpretar una escena en 15 minutos, y hacíamos una escena de cinco páginas en dos tomas. Es casi lo que ansías para cuando llegas al plató: es un método deseable. Es como hacer un trabajo rutinario. No quieres ponerte a trabajar durante cinco minutos y luego estar sentada durante 20 minutos, y luego volver a empezar y activar el ritmo cardíaco de nuevo. De la forma en que Bob trabajaba, podíamos llegar allí, interpretar las secuencias intensivamente y terminar la jornada a las 5 de la tarde. Esto es lo civilizado. Especialmente cuando la interpretación es emocional, el tiempo de inactividad y lo de parar y empezar es una lata”, dice Wright Penn.

  Crispin Glover, otro discípulo de Zemeckis, actúa en el papel del torturado monstruo Grendel. “Trabajé con Crispin en ‘Regreso al futuro’ y, por algún motivo, enseguida vi que Crispin podía interpretar ese papel”, dice Zemeckis. “Le gusta interpretar criaturas y personajes deformes, tanto física como mentalmente. Yo sabía que Crispin comprendería a Grendel. No ha interpretado el personaje de Grendel como sólo un monstruo, ha creado un personaje desvalido y atormentado pero que resulta ser físicamente monstruoso, alguien que ha sido perseguido y literalmente demonizado por su aspecto. Crispin ha imprimido mucha calidez y una gran humanidad a esta increíble y horrible criatura. La única observación que le hice como director es que todo lo que Grendel hace le causa dolor físico. Crispin asimiló enseguida esta observación y actuó en consecuencia. Utilizó todo su cuerpo, cada célula, cada uno de sus cabellos, como instrumentos para su interpretación”.

  “Hacía 21 años que no trabajaba con Bob, desde la película ‘Regreso al futuro’. Así que fue una gran sorpresa”, dice Glover. “Pero conocía lo de Beowulf y Grendel y pensé que sonaba a un gran papel. Estaba trabajando en otra película, por lo que no pude entrevistarme con todos. Me pidieron que les enviase una grabación mía. La hice en el ordenador de mi casa y se la envié. Finalmente Bob me vio, le gustó lo que hice y me dio el papel. Estoy muy contento de haberlo interpretado, pues creo que es un gran papel”.

  Grendel, la encarnación del dolor y de la furia, no es el personaje más elocuente. Para acceder al aspecto primitivo de Grendel, Glover probó su propia versión de la terapia de gritos. “Para Grendel, había una gran variación emocional dentro de una cantidad relativamente pequeña de diálogo. Yo no había planeado muchas vocalizaciones de gritos pero al principio hice algunas y parecía transmitir su horrible dolor. Bob dijo: ‘Tú tan solo continua gritando.’ Estoy contento de que me animase a hacerlo: fue una buena sugerencia porque el grito tiene mucha emotividad, puede expresar mucho sentimiento y yo no me había dado cuenta de que podía ser tan expresivo, dice Glover.

  “Zemeckis también dijo anteriormente, unas pocas semanas antes de que comenzásemos la filmación, que el dolor era una problema categórico para Grendel y el origen de la mayoría de sus reacciones”, continúa diciendo. “Así que, especialmente en las escenas de lucha, debe reaccionar a cada movimiento. Combinado con las vocalizaciones, el grito, es de suponer que ayude a obtener una imagen muy potente”.

  La capacidad de Glover para explorar las profundidades del dolor, el patetismo y la malevolencia de Grendel, de una forma única y convincente cautivó a los componentes del reparto y del equipo y a menudo provocó aplausos espontáneos. “Era asombroso. Cuando vi lo que estaba haciendo, pensé: Bien, vale, es un muchacho muy inteligente que simplemente ha subido el listón”, dice Winstone. “Era capaz de abstraerse, en una sala llena de gente, pero se descuidaba, sabía exactamente lo que estaba haciendo. Sacó a relucir claramente el de Grendel e incluso con un traje como de neopreno, con sensores, se podía ver lo que estaba creando. Verlo era algo impresionante”.

  Glover desarrolló su propia variedad del inglés antiguo para Grendel. Tenía sentido el hecho de que Grendel, que aborrece todas las cosas humanas, y que, en palabras de Glover, “es básicamente un niño de mamá y para quien todos sus (vecinos) humanos son simplemente plagas que le enojan y cuyas voces y juergas hieren sus oídos,” hablase en una lengua antigua que sólo él y su madre compartiesen.

  “El guión no indicaba ninguna entonación del inglés antiguo pero parecía conveniente que Grendel hablase así. Yo tenía este sonido en mi cabeza – fue un reto revisar la versión en inglés antiguo de Beowulf y encontrar palabras precisas pero que también pudieran entenderse, porque, si se recurre a algunas de las traducciones directas, ya es un idioma totalmente diferente. Es imposible entenderlo, aunque hay palabras que son bastante similares a la forma en la que hablamos hoy. Tratamos de obtener este equilibrio,” dice Glover.

  La única confidenta, defensora y vengadora de Grendel es, indudablemente, su madre – una criatura peligrosa y seductora que juega con los defectos y las debilidades de los hombres para su propia y diabólica ventaja. Se eligió a Angelina Jolie para el papel de esta magnífica desalmada. “La madre de Grendel es demoníaca y seductora en grado sumo y nadie puede interpretar este tipo de sensual personaje tan bien como Angelina Jolie,” dice Zemeckis. “Cuando llegó al plató y empezó a interpretar este personaje, fue impresionante verla. Tenía magnetismo y nos hipnotizó a todos en el plató”.

  Para Angelina Jolie, la captación del movimiento fue algo atractivo e impactante. “Me gustó. Al principio pensé: Oh, esto va a resultar muy raro, todos nosotros los actores con esos sensores en la cara, con esos trajes como de neopreno, sin atrezo ni decorados… pero esto lo que realmente hace es reducir todo a lo esencial de la interpretación, especialmente en las escenas de Crispin y yo – sólo había pura y asombrosa emoción. Hay mucha libertad para ser cualquier cosa, en el momento, dar todo lo que uno es, porque estás totalmente cubierta y puedes superponerte y puedes interpretar e improvisar. También se da una amistad inmediata entre los actores. Cuando los dos estamos cubiertos de sensores hay una gran cercanía y confianza de uno con el otro. Lo que también es fantástico de este proceso es que parecía que cada miembro del equipo era una parte esencial del mismo y que cada actor era igualmente importante. No es como cuando pasamos el tiempo en nuestros trailers esperando para hacer alguna escena de vez en cuando; todo el mundo estaba allí, cada segundo,” observa.

  Una desconcertada Angelina Jolie observa que “cuando mencionas a la madre de Grendel, todo el mundo tiene una opinión sobre ella. Yo creo que es encantadora y todos los demás piensan que es bastante mala”.

  Las conductas de este personaje, puntualiza Jolie, están más allá del bien y del mal, impulsadas por un profundo instinto maternal. “Sí, ella es un monstruo, pero también es madre y esto es la esencia que está detrás de todo lo que ella hace. Grendel es como un hombre totalmente desarrollado pero hay algo vulnerable y pueril en él. Yo pensé en ella como madre. Si alguien hace daño a tu hijo irás hasta el fin del mundo para vengarle. Así que yo lo enfoqué de esta manera”.

  Aunque Jolie había visto bocetos de cómo sería su personaje en última instancia, ella lo describe a sí misma como una lagarta sexy que podía adoptar una forma casi humana; personificar a esta seductora mujer-reptil, sin las ventajas de los vestidos, las prótesis, el atrezo o el maquillaje era una experiencia única. Jolie tuvo que componer su papel basándose en parte en la dirección de Zemeckis.

  “En un determinado momento, Bob me dijo que podía hablar ceceando. Así que pensé: posiblemente aquí tengo lengua de lagarto. O estaba haciendo algo como mujer y Bob decía algo como: ‘Coge esto,’ y yo contestaba: ‘Pero tengo mis manos en la espada’. Luego Bob decía: ‘Bueno, cógelo con tu cola.’ Así entonces me cuenta de que tenía cola. En un determinado momento me pidió que posara el pie como si llevase tacón alto y yo pensé: esto está bien, él quiere que me sienta más sexy. Pero Bob dijo, ‘No, no, tu mano es como un pie y tu pie es como una mano…’ Entonces me quedé completamente perpleja. Él me mostró una foto de una mujer realmente sexy toda dorada y luego vi que sus pies eran un poco raros. Así que yo tengo cola y manos que sirven como pies cuyos talones están ligeramente elevados. Tengo mucha curiosidad por ver la película para saber cómo he quedado”.

  Ella ha quedado como una criatura femenina fantásticamente atractiva, astuta, y peligrosa, de oro iridiscente, con los pies hendidos y los talones elevados y con un apéndice formado por una trenza de cabello.

  Zemeckis dice: “Hemos tenido la idea de que lleve una larga trenza de cabello que parece como si fuera una cola. Y para poder conseguir el aspecto y el movimiento real de su cola-trenza tuve que hacer una toma de ella moviendo la mano de la misma forma en que lo haría su cola y así obtuvimos el aspecto real. Y el ritmo fue perfecto. Esto es lo que me gusta de esta forma de arte, se consigue que los actores lo interpreten todo, incluso la forma en que puede moverse una cola mágica”, dice.

  El procedimiento de captación del movimiento también permite que los actores presten sus talentos a varios personajes y que sus actuaciones lo comuniquen todo sobre la representación animada definitiva de sus personajes. El director Zemeckis ha utilizado las dotes de John Malkovich de esta forma para conseguir un gran efecto, interpretando a Unferth, quien inicialmente es escéptico sobre la leyenda y las intenciones de Beowulf y, posteriormente, interpretando a su propio hijo.

  “John es uno de mis actores favoritos. Puede hacer cualquier cosa y nunca se sabe qué vas a conseguir con él,” dice Zemeckis. “Puso mucha atención en Unferth y comprendió perfectamente lo que quería de la némesis de Beowulf, el negativista que desacredita a nuestro héroe y le acusa de exageración. Cuando John se ocupó de esto con énfasis, apenas puedo describirlo, pero era la más magnífica interpretación del personaje. Y lo mejor de la captación del movimiento es lo que permitió que John no sólo actuase en el papel de su hijo sino en su propio papel de hombre viejo. Lo interpretó como si hubiera tenido un ataque de apoplejía y hubiera sobrevivido con una debilitación física. Así que gracias a su actuación, pudimos hacer que tuviese el aspecto demacrado, decaído y marchito”.

  Malkovich recuerda haber leído Beowulf cuando era un adolescente. “No le presté atención hasta que me vi obligado a leerlo en la clase de literatura del instituto de segunda enseñanza. Mi escuela estaba anticuada, todavía teníamos que leerlo. Por lo tanto lo conozco,” dice. Y añade en general: “Creo que es siempre peligroso comparar un guión cinematográfico con el material de origen, tanto si es una novela como una obra de no ficción o, como en este caso, un poema épico.” Para Malkovich, los elementos siniestros del guión eran atractivos. “Pensé que es un guión muy bueno, totalmente sombrío y emocionante, al estilo de los cuentos de hadas míticos,“ dice Malkovich.

  Como Zemeckis, Malkovich también llegó a adorar las oportunidades creativas que proporciona la captación del movimiento. “Este procedimiento es fantástico. Me permitió interpretar mi personaje cuando es mucho más joven de lo que soy ahora y luego más viejo y también interpretar a su hijo. Me hubiera visto en apuros para poder hacer esto en una película convencional,” dice Malkovich.

  Malkovich, veterano del teatro, compara este procedimiento con la actuación en la escena, aunque posiblemente para una producción en el ártico (sic). “Filmar de esta forma es como potenciar la imaginación, como actuar en una obra en la que tu imagen y tu actuación se graban por los cuatro lados para que realmente siempre estés siendo grabado: en gran angular, en primer plano, graban tus dedos, graban tu espalda. Lo mejor de esto es que tú simplemente actúas y no te tienes que preocupar de nada más. Incluso cuando el plató es como la sala de ensayos que tendrías en una obra de teatro – había tela simbólica en el suelo donde deberían estar las puertas, había un atrezo mínimo, de forma que podías saber dónde estaban las cosas en el espacio. Sin embargo, hacía un frío glacial; creo que este tiene algo que ver con la maquinaria y con el hecho de tener sensores en tu cara para registrar las expresiones y los movimientos de tu cara – los técnicos no quieren que sudes. Por supuesto, normalmente en un plató cinematográfico la temperatura es de 65.000 grados (sic) por todas las luces. Así que todo era muy diferente”, dice Malkovich riendo.

  Llevar los sensores y los trajes apretados a la piel, después de un rato, no es diferente de cualquier otro proceso cinematográfico, aunque al principio parece de otro mundo, continúa diciendo el actor. “Al llegar por la mañana te ponen una máscara transparente en la cara. Te ajustan una cuadrícula en forma de rejilla y te ponen los sensores, prestando atención a la zona de los ojos y de la boca. Luego te ponen un casco como los que se utilizan para ir en bicicleta al que van unidos varios electrodos y pequeños aparatos. Te ponen un traje como de neopreno y guantes, que también están provistos de sensores. Todo este procedimiento no dura mucho más tiempo que el que se tarda para un sencillo procedimiento sencillo de maquillaje. Pronto te acostumbras a esto. A decir verdad, yo no he vuelto a pensar en esto desde el primer día”, dice Malkovich.

  Y añade: Ayuda tener a un director que esté tan relajado y tranquilo como lo está Zemeckis. “Bob es una delicia. Es un hombre del medio oeste muy directo y claro, si no ve lo que quiere te lo dice. Si no sabe algo, dice que no está completamente seguro pero que lo está averiguando. Es entusiasta y se centra y tanto él como su equipo están increíblemente organizados. Es todo un placer,” dice Malkovich.

  Redondeando el reparto está el veterano actor británico Brendan Gleeson, que interpreta a Wiglaf, el inquebrantable guerrero y compañero fiel de Beowulf. Wiglaf lucha hasta el final con su rey. Aunque alberga sospechas acerca de los secretos de Beowulf y de sus verdaderas intenciones, finalmente Wiglaf hereda el legado de gloria y tentaciones de Beowulf. Lo que hace con eso es dejar que el público lo decida.

  “Fui a Londres en una gira de castings y cuando entró Brendan inmediatamente lo vi como Wiglaf,” dice Zemeckis. “Es la antítesis clásica de Beowulf pero es el compañero número uno de Beowulf, que quiere a Beowulf como a un héroe. Y le convenció. Wiglaf es como uno de esos hombres que siguen a los personajes carismáticos con absoluta lealtad. Está dispuesto a abandonar la vida que llevaba por Beowulf, porque cree enteramente en lo que hace Beowulf y Brendan lo comprendió intuitiva y totalmente. En mi opinión, se ha convertido en el personaje más interesante o, al menos en uno de ellos. Lo que Brendan ha introducido es la idea de que, a pesar de su amor por Beowulf, Wiglaf tiene dudas y se hace preguntas; su personaje está en conflicto entre lo que él quiere que sea verdad y lo que él sabe que es la verdad”.

  Al principio, Gleeson tuvo algunas dudas sobre su participación en el reparto de “Beowulf”, inquietudes que Zemeckis enseguida calmó. “Tengo que reconocer que tuve alguna reticencia para actuar en esta película porque ya había actuado en varias películas épicas, como por ejemplo en “Troya” y en “El reino de los cielos” – y que tenía un poco de miedo de convertirme en ‘Ese Tipo.’ Fue sólo al entrevistarme con Bob cuando cambié de idea. Su entusiasmo era fenomenal y el procedimiento fue fascinante,” dice Gleeson.

  Gleeson, también veterano de las películas de “Harry Potter” está acostumbrado a actuar en películas con muchos efectos visuales. Pero esto fue algo completamente diferente. “El término clave era teatro o escenario de caja negra, eso me cautivó. Todas las actuaciones tienen lugar en esa gran cosa cuadrada y ahí dentro creas tu mundo – no es azul ni verde, es un concepto completamente diferente. Gran parte del teatro que he hecho en la década de los 80, por ejemplo, era en la caja negra – no podíamos permitirnos tener atrezo por lo que hacíamos mímica o lo creábamos en la mente del público y en eso se parece un poco a este proceso. Ahora, con todos los sensores y el engorroso traje negro, es algo parecido, tienes que transportarte dentro de ese volumen,” dice Gleeson.

  Como mano derecha de Beowulf, esta película brindó a Gleeson la oportunidad de reunirse con Winstone. “Nos conocimos en ‘Cold Mountain,’ donde hacíamos de soldados a través de Rumanía, y Ray ha sido siempre un tipo muy divertido. En realidad, vale para lo que sea, de verdad”, dice Gleeson.

  “Lo que sea” en este caso incluye matar varios demonios, culminando con una feroz batalla con un malhumorado dragón volador que escupe fuego, empeñado en vengarse. “Hay algo muy primitivo por lo que ambos pasan – la idea era que Beowulf y Wiglaf estuvieran siempre pasándose de rosca, luchando y corriendo aventuras. Pero, aún así, esto es un buen ejemplo de sus diferentes personalidades. La tenacidad de Wiglaf hace que destaque la locura y el carisma de Beowulf – cuando luchan contra el dragón, Wiglaf va hacia lo que considera que es el punto obviamente más vulnerable, lo que no funciona del todo. Beowulf da con la manera de destruir realmente al dragón. Beowulf tiene un magnetismo temerario y mucha gente le sigue, incluyendo Wiglaf, pero eso puede conducir a muchos caminos, como todos sabemos,” dice Gleeson.

  Gleeson observa que el destino de Wiglaf, al relacionarse con Beowulf también le intrigó. “Ellos trabajan en equipo, aún cuando Wiglaf se inclina a frenar algo a Beowulf bastante a menudo. Pero también era importante para mí que, al final, Wiglaf sucediese a Beowulf como rey. En algún momento vemos que ciertas cualidades de líder en Wiglaf, y algunos defectos en Beowulf hacen presagiar esto. Para mí, no era sólo un ayudante o lugarteniente, en cierto modo era un sustituto del rey. Esto lo encontré muy interesante,” explica Gleeson.

  Las grandes cruzadas y las batallas a vida o muerte contra demonios que miden 3,66 metros de altura y furibundos dragones requieren dobles especialistas adecuados – aún cuando no haya decorados y los trajes sean solamente telas de araña con sensores. Esto fue una sorpresa para Winstone, quien, como su personaje, se comprometió incondicionalmente a llevar a cabo esta aventura.

  “No me di cuenta de que tendría que hacer tantas veces de doble especialista – bueno, sinceramente no creía que podía hacerlo,” dice Winstone. “Me divirtió mucho que un doble especialista se convirtiera en otro. Al principio, me dije: bueno, para eso están los dobles especialistas, ese es su trabajo y lo hacen bien. Pero luego me dije: ‘Bien, haré lo que pensáis que soy capaz de hacer.’ ¡Y resulta que pensaban que yo era capaz de hacerlo todo! ¡Y claro, me enteré bien! Pero también era como convertirme de nuevo en un niño de siete años, volando a través de la habitación sustentado por un largo cable, balanceándome hacia las paredes. Así que estoy contento de haberlo hecho”.

  Son las escenas arriesgadas que Avary espera que atraerán a una gran cantidad de público, especialmente a la gente joven. “Creo que los adolescentes van a vibrar con esta película,” dice sin rodeos. “Para la generación joven hay momentos emocionantes que Bob incrementó unas cien veces lo que estaba escrito originalmente. Él muy bien sabe cómo introducir emoción y acción, así como también un atractivo dramatismo impulsado por los personajes. Y hay bastante carne en el hueso para la gente que ansía un mínimo de profundidad en las narraciones”.

  Aunque el proceso digital juega un papel importante para la película, Zemeckis observa que el rodaje tradicional de las películas es todavía la base artística y proporciona su estructura. “Hay un sentido cinematográfico en ello porque yo muevo la cámara de la forma en la que lo haría en una película en dos dimensiones normal. En realidad, cada cámara final la accionan las personas con sus manos, dice el operador de cámara del director de fotografía Robert Presley. Cuando finalmente conseguimos el enfoque que queríamos, conectamos a los ordenadores un sistema de cámara a distancia a los ordenadores y él realmente movía las cámaras digitales con sus manos”, observa Zemeckis.

  Esta sensibilidad cinematográfica proporciona imágenes realistas a la película, según explica Zemeckis: “Si usted ve muchas de las películas de dibujos animados que se hacen actualmente, las cámaras están pegadas a los personajes; donde se mueve el personaje, ZIP, allí está la cámara. Esto no proporciona ningún tipo de elegancia. Es simplemente como un clic. Yo denomino esto como clic y arrastre de cámara. Cuando se proyecta una película el público no es consciente de ello, pero la cámara está siempre ligeramente retrasada con relación al sujeto, siempre se mueve poco y algo tarde. La cámara sigue al actor, lo que hace que el espectador se sienta cómodo porque éste no se adelanta a la acción. Esto puede hacer que algún espectador se sienta nervioso e irritado. El espectador se siente como un mirón disfrutando de la escena en directo y los pocos fotogramas de retraso sitúan al público en la zona de confort. Este es otro motivo por el que necesitamos que una persona accione la cámara. Si todo fuera informatizado, no habría ningún motivo para que se produjera el retraso, se trata de un programa informático que puede afinar hasta un milisegundo. Con la coordinación humana de manos y ojos, se produce ese pequeño retraso, esta ligera imperfección que da más sensación de realidad”.

  Este efímero je ne sais quoi (yo no sé qué) que describe la realización de películas, es un término en idioma extranjero para las personas de la captación del movimiento, como los que forman el equipo de diseño que reúne las tomas en el ordenador. En realidad, tienen su propio léxico críptico, ingenuamente denominado “El Mocabulario”.

  “Yo me enteré en ‘Beowulf’ que vienen de una disciplina diferente y que tienen una terminología diferente, por lo que todos tuvimos que ir a la misma página. Yo utilizo mucho lenguaje coloquial (argot) adquirido durante los 25 años en los que he estado haciendo películas. Yo diría algo así como: ‘Deslizaremos la cámara’ o ‘Déjalo caer hacia abajo,’ o ‘Lo colgaremos a la derecha,’ o cosas parecidas. Y me mirarían sin saber lo que digo. Así que los llevamos al aparcamiento un día durante el almuerzo y les dimos una lección básica del accionamiento de la cámara en 2-D, y lo que nosotros llamamos tomas diferentes, todas ellas denominadas en lenguaje coloquial (argot). Les mostramos técnicas conocidas que no requerían explicación, como cuando hacemos una toma de ‘traveling’ a la derecha (con una plataforma rodante), y es necesario también hacer un recorrido panorámico desde atrás hacia la izquierda para mantener el sujeto en el encuadre. Definitivamente, nosotros hablamos el mismo lenguaje,” dice Zemeckis.

  Las disciplinas tradicionales de la realización cinematográfica como el vestuario y el diseño de producción, al no ser utilizadas de la misma forma que en una película convencional, requerían algunos cambios innovadores. El productor Starkey dice: “cuando empecé a hacer películas de esta naturaleza me di cuenta rápidamente que mis fundamentos estaban basados en la realización cinematográfica tradicional. Tanto si se trataba de vestuario como de diseño de producción, yo me sentía mucho más confortable haciéndolo en el mundo real y luego pasándolo al ordenador, en vez de inventarlo en el ordenador. Así que nosotros diseñamos la película como lo haríamos en una película tradicional y luego lo incorporamos al ordenador. Lo complicado de ‘The Polar Express’ fue solucionar cómo teníamos tomar esa información y llevarla de nuevo al plató para nuestros actores. Así que hicimos una labor de investigación y desarrollo y establecimos un complicado sistema que ahora es como el pan de cada día. Lo mismo sucede con el diseño del vestuario. Contratamos los servicios de nuestra diseñadora del vestuario, Gabriella Pescucci, para que crease todo el vestuario y finalmente creó todas las prendas de vestir de la película. Una vez vestidos los actores con sus propios trajes, los escaneamos en el ordenador y obtuvimos la plantilla. Lo mismo hicimos con los peinados y así sucesivamente – incluso escaneamos los cuerpos de los actores en el ordenador como referencias para que se pudieran crear los personajes definitivos en el ordenador. Todo procedía de un fundamento real, como oposición a los conceptos abstractos del ordenador”.

  La única ruptura con la realidad fueron las criaturas míticas y demoníacas que aterrorizan y atraen a los desventurados humanos. “Para confeccionar una criatura que no existe en este mundo como, por ejemplo Grendel, tuvimos que partir de cero, construyendo una escultura en miniatura, que fue escaneada en el ordenador y fue la base para la confección de la criatura. Lo mismo hicimos con el dragón – empezamos con la imagen física más aproximada que existe y continuamos desde allí,” explica Starkey.

  Zemeckis dice que esta película es una mezcla de la realidad y de la fantasía que es peculiarmente apropiada para un relato como el de “Beowulf.” Es una especie de híbrido interesante. Es fotográficamente muy real, pero no es completamente real. Y creo que lo que esto hace es que nos permite poder contar historias que son algo reales pero no completamente reales y les da definitivamente la paleta de colores adecuada para contar historias que desbordan la realidad, historias que son míticas. Y esto es interesante, cuando se piensa hacer una película como ‘Beowulf’, la forma foto-realista convencional; te viene una comprensión cuando piensas: ‘Hmm, no estoy seguro. Actores interpretando, con espadas de plástico que se supone que han de ser de acero.’ Hay algo acerca del gusto de los modernos espectadores que asisten a las salas cinematográficas y pienso que esto tiene que ver con el hecho de que estamos muy rodeados de imágenes digitales procedentes de la televisión, del ordenador o de videojuegos. Como realizadores cinematográficos, tenemos una nueva paleta visual para contar estas historias. Y pienso que nos estamos acercando con lo que estamos haciendo aquí con ‘Beowulf’”.

  Esa paleta, hasta cierto punto, se refleja en la iluminación. “Tenemos tres esquemas para la iluminación para la película, basándonos en cómo suponemos que era la iluminación el siglo IV,” dice Zemeckis. “Hay sol, pero tenía que ser el sol del invierno en Dinamarca, que es bastante difuso en tiempo frío. Luego está el fuego. Y también está el oro, el reflejo de la luz reflejada sobre el oro. Esta es nuestra paleta de colores e iluminamos todo de esta forma. Lo mejor que se puede hacer en los ordenadores es que se puede utilizar el fuego como la luz esencial, como cuando se utiliza luz de relleno. De esta forma pudimos establecer un aspecto en el ordenador que no hubiéramos podido lograr nunca con la luz eléctrica”.

  El ordenador y los mundos de la cinematografía tradicional se han mezclado con una tecnología denominada EOG, desarrollada especialmente para “Beowulf.” El ojo humano, con su forma y movimiento únicos y con su peculiar capacidad de transmitir emoción, ha sido siempre lo que desean alcanzar los realizadores cinematográficos y un reto para los animadores y los técnicos de captación del movimiento. Esto no ha sucedido en el caso de “Beowulf.” “Una de las más serias limitaciones en ‘Polar Express,’ fue que no pudimos captar el movimiento de los ojos simultáneamente con los movimientos de la cara. Y esto fue debido a que no pudimos poner sensores en los ojos para seguir su movimiento. En ‘Beowulf,’ idearon un dispositivo EOG que nos permitió seguir realmente el ritmo de los músculos que mueven los ojos y los párpados mientras que se captaba simultáneamente el movimiento facial y el movimiento del cuerpo,” explica Starkey.

  Finalmente, todos los sensores, los trajes, el EOG, todos los elementos de la tecnología desaparecen cuando el mundo de Beowulf aparece perfectamente, sin costuras, en la pantalla y el público sigue el viaje admonitorio del héroe.

  La abrumadora respuesta positiva al estreno de “The Polar Express” en 3D, la primera película realizada con el sistema de captación del movimiento, convenció a los realizadores de que todos los siguientes proyectos deberían ser presentados con este procedimiento. “Después de que se estrenase ‘Polar Express’ en 3D, y de que obtuviese una reacción tan positiva de esta experiencia de tono teatral, nos hemos comprometido a hacer todas nuestras películas en 3D,” dice el productor Starkey. “Nuestras películas en las que se utiliza el sistema de captación del movimiento han sido realizadas enteramente en 3D por lo que pueden ser presentadas en el formato 3D con muy poca dificultad”.

  Lo que es más sorprendente en la experiencia 3D, dice Starkey, es que “debido a la naturaleza de la experiencia 3D, el público se siente completamente inmerso en la escena que están viendo y es estimulado por la dimensión, la magnitud y la profundidad de la imagen. Las escenas de la película parecen estar en el espacio inmediato que rodea al espectador“.

  “Beowulf” tendrá la mayor distribución en formato 3D que la de cualquier otra película estrenada hasta ahora, incluyendo IMAX 3D, Real D y Dolby 3D Digital Cinema, en más de 700 pantallas en todo el país. Sin embargo, como sucedió con “The Polar Express,” los públicos que vean “Beowulf” en 2-D no quedarán defraudados. “Habiendo visto ‘The Polar Express’ en ambos formatos, me di cuenta de que la experiencia 2D era tan emocionante como la de cualquier película que había visto en los últimos años, y opino que ‘Beowulf’ será igualmente espectacular”.

  Independientemente del formato en el que el público vea la película, “Al final, espero que será una película para todos. Su argumento es muy sofisticado y humano, con mucha acción y muchos temas que concuerdan, creo, con lo que sucede en el mundo que nos rodea,” dice Zemeckis, “porque la búsqueda de la gloria, el poder y el oro, la batalla intemporal entre el bien y el mal – todo esto está alrededor de nosotross y nunca se ha ido”.

Imágenes y notas de cómo se hizo "Beowulf" - Copyright © 2007 Warner Bros. Pictures, Shangri-La Entertainment e ImageMovers. Distribuida en España por Warner Bros. Pictures International España. Todos los derechos reservados.

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