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Las mejores películas de los Oscars

Escrito por el 24.02.13 a las 17:05
Archivado en: Festivales, Películas

Son los premios más mediáticos del cine, aquellos que acaparan la atención de millones de espectadores en todo el mundo y centran todas las miradas en Los Ángeles. Los Oscars son la quintaesencia de Hollywood, un espectáculo para masas en el que se coronan películas, actores y directores que inmediatamente pasan a la historia con mayor o menor justicia, mientras otros son olvidados y permanecen en los anales como flagrantes omisiones —el siempre recurrido ejemplo de “Ciudadano Kane” (Orson Welles, 1941)—. Repasar el palmarés histórico de los Oscars puede ser una tarea tan divertida como frustrante en muchos puntos, al menos si no se hace con la perspectiva socio-histórica que contempla las circunstancias de cada edición. Y en total, van ya 84 ediciones, una lista de títulos lo suficientemente importante como para extraer algunas de las joyas del cine. Una selección que, a continuación, tratamos de llevar a cabo con la mayor justicia posible, entre las vencedoras en la categoría de Mejor Película.

“Amanecer” (F.W. Murnau, 1927) – 4 nominaciones / 3 Oscars. La primera ceremonia de la historia tuvo lugar el 16 de mayo de 1929 en Hotel Roosevelt de Hollywood, con en torno a 270 espectadores como público y un precio de 5 dólares para aquellos que quisieran asistir. Los premios, 15 en total, se habían anunciado ya meses antes, así que la gala consistió meramente en la entrega. En ese reparto, la obra maestra de F.W. Murnau compartió el honor de ser la mejor del año con “Alas” (William A. Wellman, 1927) —específicamente, la primera se llevó el galardón en categoría de producción artística única y, la segunda, como película excepcional o destacada del año—. Los premios todavía estaban en pañales, pero reconocieron el que sería uno de los mejores títulos del cine, una fábula trágica e hipnótica en la que Murnau enfrentaba de nuevo al hombre y a la naturaleza, y que también se llevaría el Oscar a la Mejor Fotografía y a la Mejor Actriz para Janet Gaynor —una interpretación que se reconocía junto a las que había desempeñado en “El séptimo cielo” (Frank Borzage, 1927) y “El ángel de la calle” (Borzage, 1928)—. 

“El apartamento” (Billy Wilder, 1960) – 10 nominaciones / 5 Oscars. Es una de las comedias más amargas del cine. También un ejemplo de perfecto control de los mecanismos del género, un retrato emocional duro como pocos y una película impecable en su timing y en las interpretaciones de sus actores. De los muchos grandes títulos que dejó Billy Wilder, éste sin duda es uno de los más grandes y uno de los que más merecía estar en ese palmarés de la Academia. Wilder también se llevó Oscars como director y como co-guionista, a los que hay que añadir los reconocimientos a la dirección artística y al montaje. Más sorprendente resulta que ni Jack Lemmon ni Shirley MacLaine recibieran premio, batidos el primero por Burt Lancaster en “El fuego y la palabra” (Richard Brooks, 1960) y la segunda por Elizabeth Taylor en “Una mujer marcada” (Daniel Mann, 1960).

“Casablanca” (Michael Curtiz, 1942) – 8 nominaciones / 3 Oscars. El tiempo pasa y “Casablanca” permanece como una de esas cimas del cine a las que a menudo se alude para señalar lo mejor del medio. Este éxito de Michael Curtiz se convirtió en todo un icono, forjado en la nostalgia romántica que unía a Rick (Humphrey Bogart) e Ilsa (Ingrid Bergman), ex amantes enamorados con destinos separados. Poco queda por decir que no se haya dicho ya de ella, de Sam (Dooley Wilson) y su piano, de un nervioso Peter Lorre poniendo de manifiesto la tensa atmósfera de la Marruecos de los expatriados, o de esa niebla que envuelve a Bogart y a Claude Rains mientras queda pronunciada esa última frase inmortal. “Casablanca” fue premiada en los apartados de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion. 

“Lawrence de Arabia” (David Lean, 1962) – 10 nominaciones / 7 Oscars. Si de cine-espectáculo hablamos, de pantallas que transportan a otras épocas y penetran en la historia con colores vívidos y épica incontenible, “Lawrence de Arabia” es la reina. David Lean nunca fue tan majestuoso como aquí, pero tampoco tan fascinante en el tratamiento de su protagonista: un coronel T.E. Lawrence oscuro y nada heroico, encarnado por un fabuloso Peter O’Toole. Ver a cientos de caballos y extras corriendo hacia la recreada ciudad de Áqaba o contemplar los escenarios infinitos del desierto bajo un sol naranja es una experiencia imborrable, y también lo son las apariciones de Omar Sharif, Alec Guinness, Claude Rains o Anthony Quayle. En definitiva, cine monumental e inigualable, que se llevaría una retahíla de Oscars técnicos, amén del de la magistral banda sonora de Maurice Jarre.

“La ley del silencio” (Elia Kazan, 1954) – 12 nominaciones / 8 Oscars. El más famoso de los directores que declararon en la Caza de Brujas a Hollywood, Elia Kazan supo sobreponerse a una mala fama que culminó en la polémica entrega del Oscar Honorífico en 1999. Y es que Kazan había dejado muchas grandes películas y un puñado de obra maestras, entre las que se sitúa “La ley del silencio”, intensísimo drama entre hermanos, Shakespeare proletario y entre contenedores de carga con Marlon Brando y Karl Malden ofreciendo dos de sus mejores papeles y Eva Marie Saint dando vida a la sufrida enamorada de Brando. Tanto el actor como la actriz se llevaron el Oscar, no así Malden ni el compositor Leonard Bernstein por su excelente banda sonora. 

“El padrino. Parte II” (Francis Ford Coppola, 1974) – 11 nominaciones / 6 Oscars. En el momento en que fue premiada, era la única secuela en conseguir tal mérito. Y no es para menos. “El padrino. Parte II” ampliaba la saga familiar de los Corleone a través de un díptico que alternaba la llegada de Vito a Estados Unidos —memorable Robert De Niro— con la tragedia que envolvía al imperio de su hijo Michael en el presente. Una historia de capitalismo, una película portentosa que derrama una apabullante sabiduría cinematográfica y sobrecogedoras actuaciones de Al Pacino, De Niro, Diane Keaton, John Cazale o Robert Duvall. Ese año, Coppola competía consigo mismo en la categoría de Mejor Película, puesto que la excelente “La conversación” (1974) también estaba presente, codeándose ambas con otro clásico como es “Chinatown” (Roman Polanski, 1974). Esta segunda entrega se llevó el Oscar para la Mejor Película, pero también una estatuilla para De Niro, otra para Nino Rota y Carmine Coppola por la música, otra para la Mejor Dirección de Arte, y para Coppola por partida doble, por la dirección y por el guion co-escrito con Mario Puzo.

“El padrino” (Coppola, 1972) – 11 nominaciones / 3 Oscars. Dos años antes, la Academia había premiado ese éxito rotundo que había salvado a la Paramount y que se había convertido en fenómeno cinematográfico del año. Los Oscars acabaron de disparar la carrera de un Francis Ford Coppola que iba a vivir en la década de los 70 su momento más pletórico como creador. Por el momento, había creado la que para muchos sigue siendo la mejor película de gánsteres de la historia y quizá la mejor del cine, un fascinante relato sobre la mafia italoamericana repleto de diálogos y escenas míticas, conducidos por una sobrecogedora partitura de Nino Rota y entregándose a hacer más grande una historia que Marlon Brando, en su papel de jefe de la familia, hacía gigante a cada segundo que permanecía en pantalla. Precisamente, Brando se llevaría su segunda estatuilla dorada tras la que había ganado por “La ley del silencio”, y completó la triada de Oscars con el de Mejor Película y Mejor Guion Adaptado.

“Ben-Hur” (William Wyler, 1959) – 12 nominaciones / 11 Oscars. Otro ejemplo de cine majestuoso, espectacular y a todo Technicolor. El gran William Wyler adaptó la novela de Lew Wallace y consiguió uno de los clásicos del cine romano, épica cristiana que contagia de emoción y melodrama intenso a través de su abultado metraje. Basta recordar la grandiosidad del circo romano y la frenética carrera de cuadrigas o rememorar la antológica secuencia de los remeros en las galeras para entender por qué “Ben-Hur” batió un récord de Oscars (11) que tardó casi 40 años en ser igualado y que nunca ha sido superado. Y es que sus méritos técnicos eran tan enormes como los artísticos: sus 11 Oscars se repartieron entre varias categorías técnicas y también premiaron a Charlton Heston como Mejor Actor, a Wyler como Mejor Director, a Hugh Griffith como Actor de Reparto o a la imperial música de Miklós Rózsa

“Sucedió una noche” (Frank Capra, 1934) – 5 nominaciones / 5 Oscars. Frank Capra consiguió embelesar a público, que hizo de esta comedia romántica un gran éxito a través del boca-oreja. También, fue una película capaz de desafiar a los tabúes que ya imponía el Código Hays de censura —las murallas de Jericó, el efectivo autostop de Claudette Colbert— y una cándida joya capriana en la que Colbert y Clark Gable derrochaban química, dando nacimiento en su atracción de polos opuestos a uno de los más tempranos ejemplos de screwball comedy o comedia de enredo. Encontraría su confirmación en la ceremonia de los Oscars: fue la primera producción en ganar los cinco grandes premios —Mejor Película, Mejor Actriz para Colbert, Mejor Actor para Gable, Mejor Director para Capra y Mejor Guion para Robert Riskin—, y una de las pocas en hacer pleno.

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“¡Qué verde era mi valle” (John Ford, 1941) – 10 nominaciones / 5 Oscars. Pocos directores del periodo clásico cuentan con tantos imprescindibles del cine en su curriculum como John Ford. De sus varias obras maestras, fue este melodrama sobre un pueblo minero de Gales el único en llevarse el reconocimiento de la Academia —si bien Ford llegaría a ganar en cuatro ocasiones en el apartado de Mejor Director—. Esta adaptación del best-seller de de Richard Llewellyn enfrentaba a padre e hijo de una familia afectada por la injusticia social y separada por distintas maneras de ver el mundo y sus posibles soluciones. “¡Qué verde era mi valle!” fue la triunfadora en una excelente edición en la que también concurrían “Ciudadano Kane”, “La loba” (Wyler, 1941) y “El sargento York” (Howard Hawks, 1941). Se llevó los honores de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto (Donald Crisp), Mejor Fotografía y Mejor Dirección de Arte.

“De aquí a la eternidad” (Fred Zinnemann, 1953) – 13 nominaciones / 8 Oscars. Hay ciertas imágenes que son capaces de evocar el poder inmenso que el cine puede llegar a tener para emocionar en un momento preciso y marcar para el resto de la vida. El beso de Burt Lancaster y Deborah Kerr en una playa hawaiana en la magnífica “De aquí a la eternidad es una de esas imágenes. Fred Zinnemann adaptó la novela de James Jones —el también escritor de la novela en que se basaría “La delgada línea roja” (Terrence Malick, 1998)— sobre las relaciones y pasiones de un grupo de militares en Pearl Harbor, interrumpidas cuando cae sobre ellos el día de la infamia. La Academia se lo premiaría con 8 Oscars, entre los que se incluían el de Mejor Actor de Reparto para Frank Sinatra, el de Mejor Actriz de Reparto para Kerr y el de Mejor Director para el propio Zinnemann.

 

“Eva al desnudo” (Joseph L. Mankiewicz, 1950) – 14 nominaciones / 6 Oscars.  Ambientada en el mundo del teatro, “Eva al desnudo” narraba la escalada hacia el éxito de una actriz que llega a una compañía para hacerse amiga y confidente de la estrella principal. En su camino, pisotea y se aprovecha de cuantos tiene a su alrededor, a excepción de un crítico teatral que descubre la persona que realmente se esconde tras ella. Una de las grandes obras de Mankiewicz, un tratado sobre los efectos colaterales de la escalada hacia la fama con grandes actores en su reparto: George Sanders fue el único en ganar el Oscar, y se quedaron con las ganas Anne Baxter, Bette Davis, Thelma Ritter y Celeste Holm, las dos primeras nominadas en el apartado de Mejor Actriz Protagonista y las dos segundas en la de Mejor Actriz de Reparto. También recibió los galardones de Mejor Vestuario, Mejor Director, Mejor Guion, Mejor Sonido y, evidentemente, Mejor Película.

“Annie Hall” (Woody Allen, 1977) – 5 nominaciones / 4 Oscars. En el reportaje que dedicamos a repasar las mejores películas de Woody Allen ya encumbramos “Annie Hall” como la que es probablemente su mejor obra, una comedia romántica que explora las relaciones sentimentales con profundidad y sin abandonar la comedia narcisista, marcada por las obsesiones personales del realizador neoyorquino. En la noche en que fue galardonada, se halla una de las anécdotas más famosas de los premios: Woody Allen no fue a la ceremonia, y luego alegó que había olvidado la cita. Pese a ello, al día siguiente, no faltaba a su recital semanal de clarinete en el hotel Carlyle. Por si fuera poco, esa noche en la que fue el gran ausente fue la misma en la que su filme derrotó a la gran favorita, “La guerra de las galaxias” (George Lucas, 1977), que en cualquier caso se fue a casa con seis estatuillas. “Annie Hall” lo hizo con 4, las de Mejor Película, Mejor Actriz Protagonista para Diane Keaton, y Mejor Director y Mejor Guion Original, para Allen.

 

“Días sin huella” (Wilder, 1945) – 7 nominaciones / 4 Oscars. Unos años antes de triunfar con “El apartamento”, Wilder ya había salido vencedor en una de las ceremonias de los Oscars. Fue por “Días sin huella”, crudo retrato de un alcohólico encarnado por un inmenso Ray Milland. Se trataba de una de las cintas más duras de su director, un drama agónico y sin medias tintas con más poder de disuasión que una resaca. Milland se llevó al bolsillo un merecido Oscar, que se sumaba al conseguido por Wilder como Mejor Director, el de Mejor Guion para Wilder y su co-guionista Charles Brackett y el de Mejor Película.

“Lo que el viento se llevó” (Victor Fleming, 1939) – 13 nominaciones / 8 Oscars (+ 2 especiales). Uno de los melodramas más ambiciosos de la historia, esta superproducción que adaptaba la novela de Margaret Mitchell cosechó un enorme éxito que también se extendió a la retahíla de Oscars ganados en la gala de 1940. Las cuatro horas de épica romántica entre Scarlett O’Hara (Vivien Leigh) y Rhett Butler (Clark Gable) o la impresionante puesta de escena de la Guerra de Secesión norteamericana fueron motivos más que contundentes para que la Academia la colmara de galardones. Leigh y la inolvidable Hattie McDaniel —Mammy en la película— fueron premiadas como Mejor Actriz Protagonista y Mejor Actriz de Reparto —McDaniel se convirtió en la primera persona afroamericana en ganar el Oscar— y Fleming se proclamó Mejor Director, honores a los que hay que añadir los premios al Mejor Guion, Mejor Montaje, Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía y Mejor Mejor Película. Además de los ocho mencionados, la cinta recibió dos más: uno honorario a William Cameron Menzies por su extraordinario uso y tratamiento del color, y otro al logro técnico para R.D. Musgrave, en calidad de pionero en el uso de equipos coordinados en la producción.

“West side story” (Robert Wise y Jerome Robbins, 1961) – 11 nominaciones / 10 Oscars. Uno de los mejores musicales del cine es también uno de los más laureados. Esta gema nacida de la unión de talentos de Jerome Robbins y Robert Wise y a partir de la obra teatral con música de Leonard Bernstein y letra de Stephen Sondheim. Esta versión musicada del “Romeo y Julieta” de William Shakespeare era una gozada para los amantes del género, cuyo declive películas multipremiadas como “Gigi” (Vincente Minnelli, 1958), esta o la posterior “My fair lady” (George Cukor, 1964) se empeñaban en retrasar. Los secundarios George Chakiris y Rita Moreno fueron los únicos intérpretes galardonados, acompañando a los premios a la Mejor Película, Mejor Director —la primera vez que era compartido, para Robbins y Wise—, Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Montaje, Mejor Banda Sonora y Mejor Sonido.

“Rebeca” (Alfred Hitchcock, 1940) – 11 nominaciones / 2 Oscars. La única película de Alfred Hitchcock que triunfó en los Oscars fue, precisamente, la primera que rodó en Estados Unidos bajo la mano controladora del productor David O. Selznick. Selznick había triunfado en la edición anterior con “Lo que el viento se llevó” y creía que la clave del éxito estaba en la fidelidad, así que le exigió al británico que fuera lo más ajustado posible a la novela de Daphne du Maurier. La fórmula funcionó y el debut estadounidense del maestro inglés resultó la cinta vencedora en esa edición, una victoria más bien pírrica en la que se llevó 2 de 11 posibles —Mejor Película y Mejor Fotografía—, dejando a Hitchcock sin un Oscar al Mejor Director al que optaría cuatro veces más a lo largo de su carrera sin conseguirlo. 

“Platoon” (Oliver Stone, 1986) – 8 nominaciones / 4 Oscars. Una de las cintas bélicas más sobrecogedoras la firmó Oliver Stone en torno a la Guerra de Vietnam, la segunda de una trilogía que se completaría con “Nacido el cuatro de julio” (1989) y “El cielo y la tierra” (1993). “Platoon” era quizá la más descarnada, un drama brutal en el que el hombre es un lobo para el hombre y en el que es icónica la imagen del Sargento Elías (Willem Dafoe) arrodillándose y extendiendo los brazos antes de morir. Una gran película que se llevaría los galardones al Mejor Director, Mejor Montaje, Mejor Sonido y Mejor Película.

“El silencio de los corderos” (Jonathan Demme, 1991) – 7 nominaciones / 5 Oscars. Hannibal Lecter era el mejor representante del serial-killer clásico, y el terror que despertaba Anthony Hopkins detrás de los barrotes de su celda eran la atracción principal de “El silencio de los corderos”. Ese monstruo tranquilo que jugaba con Clarice Starling (Jodie Foster) valió el éxito a una cinta que originaría, a partir de las novelas de Thomas Harris, tres episodios más —si bien unos años antes Michael Mann ya había adaptado “El dragón rojo” en su interesante “Hunter” (1986)—. Ninguno, sin embargo, tendría la repercusión que ésta, convertida en la ceremonia de 1992 en el tercer largometraje de la historia de los Oscars que se hacía con los cinco grandes premios: Mejor Película, Mejor Actriz Protagonista (Foster), Mejor Actor Protagonista (Hopkins), Mejor Director (Demme) y Mejor Guion.

“No es país para viejos” (Joel y Ethan Coen, 2007) – 8 nominaciones / 4 Oscars. Y en contraposición al psicópata clásico que era Lecter, el Anton Chigurh (Javier Bardem) de los hermanos Coen era un asesino nihilista, brutal y sin razones por las que dejar un reguero de cadáveres a su paso. En “No es país para viejos”, Joel y Ethan llevaban a la parte más negra de su cine la magistral novela de Cormac McCarthy, de la mano de un terrorífico Bardem, un estoico Josh Brolin y un agotado Tommy Lee Jones.  Pocas veces una película tan oscura se alzó como vencedora de los Oscars, pero la deuda de la Academia con los Coen no podía esperar más y ésta se llevó a casa los laureles de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado y Mejor Actor de Reparto, para un Bardem que se convertía en el primer actor español en ganarlo.

“Cowboy de medianoche” (John Schlesinger, 1969) – 7 nominaciones / 3 Oscars. Se trata de la única ganadora del Oscar a Mejor Película bajo la calificación X, dado que trataba abiertamente el tema de la prostitución masculina, concentrada en el gigoló al que daba vida Jon Voight. Pero además, “Cowboy de medianoche” es uno de los relatos de amistad más hermosos que ha dado el cine, una unión improbable entre un ingenuo llegado a la ciudad y otro hundido bajo sus miserias (Dustin Hoffman). La música de John Barry y la canción Everybody’s Talkin’ de Harry Nilsson hacen el resto para que resulte inolvidable. Ganó los premios a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion Adaptado (Waldo Salt).

“Contra el imperio de la droga” (William Friedkin, 1971) – 8 nominaciones / 5 Oscars. Uno de los grandes thrillers de la década de los 70, William Friedkin filmó una de las mejores persecuciones del género y una vibrante caza en la que Gene Hackman y Roy Scheider iban tras la pista de Fernando Rey. Es raro ver a una cinta de acción ser aplaudida por la Academia, pero el oficio y el talento que desbordaba “Contra el imperio de la droga” la llevó a ganar los Oscars de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Protagonista (Hackman), Mejor Montaje y Mejor Guion Adaptado. Dos años más tardes, Friedkin no pudo repetir la hazaña con “El exorcista” (1973), conformándose con 2 estatuillas de 10 posibles.

“Vive como quieras” (Capra, 1938) – 7 nominaciones / 2 Oscars. Sin duda, Frank Capra fue el gran triunfador de los Oscars en la década de los 30. “Sucedió una noche” ya había ganado las cinco grandes categorías en la edición de 1936, y al año siguiente “El secreto de vivir” (1936) le había valido su segundo Oscar al Mejor Director. Dos años más tarde, en la ceremonia de 1939, “Vive como quieras”, una comedia sobre dos enamorados de dos familias de estilos de vida demasiado distintos, le valió una nueva victoria, haciéndose con el premio a la Mejor Película y, de nuevo, al Mejor Director, que haría de Capra el director más laureado hasta la fecha —posteriormente, solo sería igualado por William Wyler, también con 3, y superado por John Ford, con 4—.

“El puente sobre el río Kwai” (Lean, 1957) – 8 nominaciones / 7 Oscars. Unos años antes de su monumental “Lawrence de Arabia”, David Lean ya había conquistado a los académicos con esta adaptación de una novela de Pierre Boulle en la que unos prisioneros británicos se veían obligados a construir un puente bajo las órdenes de los japoneses. Es otro de los grandes clásicos de su director, una cinta cargada de heroísmo y sacrificio, de humanidad y épica que subraya la célebre melodía silbada de Malcolm Arnold. Fue galardonada en las categorías de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Montaje, Mejor Banda Sonora, Mejor Fotografía, Mejor Guion Adaptado y Mejor Actor Protagonista (Alec Guinness).

“El paciente inglés” (Anthony Minghella, 1996) – 12 nominaciones / 9 Oscars. Este fabuloso drama romántico firmado por Anthony Minghella se convirtió inmediatamente en una de las joyas del género, un romance denso y forjado entre los arrebatadores paisajes del desierto. En la avioneta que sobrevuela esas dunas, se encuentra el símil inevitable con otra gran oscarizada como “Memorias de África” (Sydney Pollack, 1985). La de Minghella, sin embargo, es una película más personal y menos domada, dotada de una sensibilidad amarga y desesperada que transmiten perfectamente sus protagonistas Ralph Fiennes y Kristin Scott Thomas bajo la extraordinaria música de Gabriel Yared. Se llevó 9 Oscars: Mejor Actriz de Reparto (Juliette Binoche), Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía, Mejor Vestuario, Mejor Director, Mejor Montaje, Mejor Banda Sonora, Mejor Película y Mejor Sonido.

“Titanic” (James Cameron, 1997) – 14 nominaciones – 11 Oscars. Fue exactamente un año después que llegó la película-fenómeno de la década. “Titanic” era un proyecto nacido para batir récords: se convirtió en el filme más taquillero de toda la historia y también en el primero en igualar los 11 Oscars de “Ben-Hur”. James Cameron lanzó su famoso grito de «¡Soy el rey del mundo!» al recibir la estatuilla y Billy Crystal estuvo sencillamente genial como presentador de la gala. Y aunque concurrían a la cita títulos tan memorables como “Full monty” (Petter Cattaneo, 1997) o “L.A. Confidential” (Curtis Hanson, 1997), aquella noche todo giraba en torno a la titánica hazaña de Cameron. Los 11 Oscars fueron a la Mejor Película, Mejor Director, Mejor Banda Sonora, Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía, Mejor Vestuario, Mejor Montaje de Sonido, Mejores Efectos Visuales, Mejor Montaje, Mejor Canción Original y Mejor Sonido.

“Alguien voló sobre el nido del cuco” (Milos Forman, 1975) - 9 nominaciones / 5 Oscars. La exitosa carrera del checo Milos Forman en Estados Unidos tuvo su primera gran muesca en esta adaptación de la novela de Ken Kesey sobre un grupo de enfermos en una institución mental. “Alguien voló sobre el nido del cuco” contaba con grandes interpretaciones de Jack Nicholson, Danny DeVito, Louise Fletcher o Christopher Lloyd, y su buena recepción por parte de la crítica se confirmó en unos premios que hicieron de ella la segunda película en vencer en los cinco grandes apartados: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Protagonista (Nicholson), Mejor Actriz Protagonista (Fletcher) y Mejor Guion Adaptado.

“Amadeus” (Forman, 1984) – 11 nominaciones / 8 Oscars. Pero aún Forman iba a tocar la gloria de la Academia una vez más. Sería no llega a una década más tarde por este biopic del compositor Wolfgang Amadeus Mozart que centraba buena parte de su trama en las rivalidades del genio con Antonio Salieri. Ese enfrentamiento en la ficción lo protagonizarían un gran F. Murray Abraham y un Tom Hulce tendente al histrionismo al que se prestaba la excéntrica figura del biografiado. La cinta se fue a casa bendecida con honores de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Protagonista (Abraham), Mejor Dirección de Arte, Mejor Vestuario, Mejor Maquillaje, Mejor Sonido y Mejor Guion Adaptado. 

“Hamlet” (Laurence Olivier, 1948) – 7 nominaciones / 4 Oscars. Como ilustre admirador y estudioso de la obra de William Shakespeare, Sir Laurence Olivier encarnó a varios de los grandes personajes del bardo inglés a lo largo de su carrera. Pero fue el príncipe danés Hamlet el que le valdría el encumbramiento de los Oscars en la edición de 1949, en la que también estaban presentes dos obras maestras de la talla de “Las zapatillas rojas” (Michael Powell y Emeric Pressburger, 1949) y “El tesoro de Sierra Madre” (John Huston, 1949). Olivier, no obstante, sería el triunfador con esta adaptación que llevó al bolsillo los premios de Mejor Película, Mejor Actor Protagonista (Olivier), Mejor Dirección de Arte y Mejor Vestuario.

“Infiltrados” (Martin Scorsese, 2006) – 5 nominaciones / 4 Oscars. A menudo, se dice que los errores o las vergonzantes omisiones de la Academia en su palmarés histórico se acaban traduciendo en Oscars honoríficos o premios por obras que no están a la altura de lo mejor de su creador. Este comentario fue uno de los más extendidos cuando Martin Scorsese recibió el Oscar que tanto tiempo se le había resistido por “Infiltrados”, un remake de la hongkonesa “Juego sucio” (Lau Wai-keung y Alan Mak, 2003) ambientado en el Boston criminal. Pero lo cierto es que se trata de una gran película, un policíaco de construcción e inteligencia ejemplares, en el que Scorsese explota al máximo la música como conductora de la épica de los bajos fondos y en el que un puñado de grandes actores forman uno de los mejores repartos de la pasada década (Leonardo DiCaprio, Mark Wahlberg, Matt Damon, Jack Nicholson, Martin Sheen, Alec Baldwin), algo que los galardones no reconocieron. Sí fue laureada en las categorías de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Montaje y Mejor Guion Adaptado.

“Sin perdón” (Clint Eastwood, 1992) – 9 nominaciones / 4 Oscars. Pasada la época de gloria del western, parecía poco probable que el género aún lanzara un aliento más, lo suficientemente contundente como para convencer a público, crítica y Academia. Clint Eastwood, que en sus inicios se había curtido bajo el sol de Almería a las órdenes de Sergio Leone, cogió su sombrero y firmó una cinta sin el más mínimo atisbo de gloria, dura y oscura como pocas. En ella, el propio Eastwood era un viudo con problemas para mantener a sus hijos que se disponía a un último trabajo junto a un viejo compañero: encontrar y matar a dos hombres que le cortaron la cara a una prostituta. “Sin perdón” ganó los Oscars a la Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto (Gene Hackman) y Mejor Montaje.

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“El golpe” (George Roy Hill, 1973) – 10 nominaciones / 7 Oscars. Unos años antes, el trío formado por el director George Roy Hill y los actores Paul Newman y Robert Redford habían conquistado a público y crítica con su versión de las aventuras de Butch Cassidy y Sundance Kid, en “Dos hombres y un destino” (1969). Tan bien había funcionado el triunvirato que no dudaron en volver a reunirse para esta comedia de estafadores dispuestos a elaborar uno de los engaños más elaborados jamás vistos para desplumar a un gánster responsable de la muerte de un antiguo compañero. “El golpe” se llevó los premios a la Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Original, Mejor Dirección de Arte, Mejor Vestuario, Mejor Montaje y Mejor Banda Sonora.

“Sonrisas y lágrimas (Robert Wise, 1965) – 10 nominaciones / 5 Oscars. Wise volvió a repetir el triunfo de “West side story” con otro musical, en esta ocasión un melodrama familiar de toques kitsch y con una Julie Andrews que venía de proclamarse nueva reina del género tras “Mary Poppins” (Robert Stevenson, 1964). Su papel de María, alegre institutriz a cargo de los hijos del severo Von Trapp, coronaría una cinta a la que los académicos otorgaron los galardones de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Montaje, Mejor Banda Sonora y Mejor Sonido. 

“My fair lady” (George Cukor, 1964) – 12 nominaciones / 8 Oscars. Un año antes, el musical ya había ofrecido muestras de su resistencia a dejar atrás sus mejores días. “My fair lady” tenía el encanto inherente a la dirección de Cukor y el rostro angelical de Audrey Hepburn, quien se hizo con un papel que en principio estaba llamada a interpretar Julie Andrews —ella lo había desempeñado en el teatro, y la elección de Hepburn la llevó de rebote a aceptar el rol principal de “Mary Poppins” (Robert Stevenson, 1964)—, bastaron para hacer de esta adaptación otro oscarizado musical. Fueron ocho estatuillas correspondientes a las categorías de Mejor Película, Mejor Actor Protagonista (Rex Harrison), Mejor Director, Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía, Mejor Vestuario, Mejor Banda Sonora y Mejor Sonido.

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“Patton” (Franklin J. Schaffner, 1970) – 10 nominaciones / 7 Oscars. El general Patton, uno de los mitos de la Segunda Guerra Mundial, fue retratado en toda su fuerza, megalomanía y liderazgo insano en esta cinta dirigida por el siempre efectivo Franklin J. Schaffner. La Academia prendada de la soberbia interpretación de George C. Scott, si bien ese amor no fue correspondido: Scott rechazó la nominación alegando que no quería rivalizar con otros actores en ningún tipo de competición, y cuando el Oscar a Mejor Actor Protagonista recayó en él, el productor Frank McCarthy lo recogió en su nombre para devolverlo al día siguiente. La accidentada entrega continuó con la ausencia de Franklin J. Schaffner, cuyo Oscar al Mejor Director recogió Karl Malden, y la de Francis Ford Coppola, que había escrito el guion junto a Edmund H. North y que tampoco estuvo presente para recoger el galardón al Mejor Guion Original. Además, el filme también recibió estatuillas a la Mejor Dirección de Arte, Mejor Montaje, Mejor Sonido y Mejor Película. 

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“Un americano en París” (Vincente Minnelli, 1951) – 8 nominaciones / 6 Oscars. Minnelli, en colaboración con la MGM y en particular con la llamada Freed Unit —subdivisión de la major dirigida por Arthur Freed de la que saldría algunos de los mejores musicales del cine—, cosechó no pocas glorias para el género, incluida esta “Un americano en París” que volvía a ofrecer a un Gene Kelly pletórico de forma, aquí emparejado con una debutante Leslie Caron. La inspiración de la película nació de una composición orquestal que George Gershwin había firmado en 1928, adaptándola el propio músico a la banda sonora, en la que su hermano Ira Gershwin escribía las letras y Saul Chaplin y Johnny Green componían música adicional. La partitura fue oscarizada, un tanto que la cinta se apuntó con los de Mejor Película, Mejor Guion, Mejor Vestuario, Mejor Dirección de Arte y Mejor Fotografía. 

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“El Señor de los Anillos: El retorno del rey” (Peter Jackson, 2003) – 11 nominaciones / 11 Oscars. La tercera entrega de la saga basada en los libros de “El Señor de los Anillos”, de J.R.R. Tolkien, cosechó un éxito todavía más rotundo que las dos anteriores y, de paso, marcó un nuevo hito en la historia de los Oscars. La película de Peter Jackson hizo un asombroso pleno, 11 de 11, que la llevaba a igualar el récord que hasta entonces ostentaban “Ben-Hur” y “Titanic”. En la ceremonia de 2004, esta tercera aventura en la Tierra Media se llevaría los premios de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Dirección de Arte, Mejor Vestuario, Mejor Montaje, Mejor Mezcla de Sonido, Mejor Maquillaje, Mejor Canción Original y Mejores Efectos Visuales.

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“Memorias de África” (Sydney Pollack, 1985) – 11 nominaciones / 7 Oscars. Basada en las memorias de Karen Blixen, “Memorias de África” es uno de esos grandes romances a los que quizá le sobre academicismo, pero a los que también le sobra sensibilidad. Su capacidad para emocionar descansa en el mimo de Pollack al encuadrar la historia de amor de Meryl Streep y Robert Redford dentro de espectaculares paisajes africanos, balanceados por la música de Mozart y la nostálgica voz en off de su protagonista. Suya fue parte de la culpa de la debacle de “El color púrpura” (Steven Spielberg, 1985) —11 nominaciones, ni un solo Oscar—, al acaparar la mayoría de premios de esa edición, a saber Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado, Mejor Banda Sonora, Mejor Sonido, Mejor Fotografía y Mejor Dirección de Arte. 

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“En tierra hostil (The hurt locker)” (Kathryn Bigelow, 2008) – 9 nominaciones / 6 Oscars. Si las películas se definieran por una única palabra, la de “En tierra hostil (The hurt locker)” sería “adrenalina”. Su argumento se reduce a la mínima expresión: el día a día de un grupo de artificieros en Iraq, y en medio de ellos, un sargento adicto a ese momento indescriptible en que toda tu vida puede saltar por los aires en cuestión de milésimas de segundo. Kathryn Bigelow consiguió la que es quizá una de las cintas más antipáticas al gran público que haya ganado una edición de los Oscars, un tour de force de la puesta en escena que tritura los nervios y subvierte los límites del heroísmo conocido en la pantalla. Asimismo, se convirtió en la primera directora en ganar el Oscar —derrotando a su ex marido James Cameron, el presunto favorito con “Avatar” (2009)—, mérito que hay que sumar a los laureles de Mejor Película, Mejor Guion Original, Mejor Montaje, Mejor Montaje de Sonido y Mejor Mezcla de Sonido.

“Chicago” (Rob Marshall, 2002) – 13 nominaciones / 6 Oscars. Cuando llegó “Chicago”, parecía que el musical estaba definitivamente enterrado y olvidado. Uno de los musicales teatrales más celebrados, sin embargo, era una buena excusa para intentarlo una vez más. El resultado fue una esplendorosa traducción del espíritu Broadway a la pantalla, gobernada por un pletórico reparto en el que brillaban Catherine Zeta Jones, John C. Reilly, Renée Zellweger, Queen Latifah y Richard Gere. De todos ellos, sin embargo, solo la primera fue galardonada en las categorías interpretativas, ganándose un Oscar a la Mejor Actriz de Reparto que acompañaba a los de Mejor Película, Mejor Dirección de Arte, Mejor Vestuario, Mejor Montaje y Mejor Sonido.

Las otras vencedoras. Tras el primer triunfo compartido de “Amanecer” y “Alas” en 1929, la siguiente agraciada fue “La melodía de Broadway” (Harry Beaumont, 1929), la primera película sonora —y además, musical— en recibir el premio. A ésta la siguió “Sin novedad en el frente” (Lewis Milestone, 1930), cinta antibélica de Milestone sobre un grupo de jóvenes enviados al frente de la Primera Guerra Mundial. Al siguiente año, “Cimarrón” (Wesley Ruggles, 1931) era el primer western en alzarse como vencedor. En noviembre de 1932, el melodrama “Gran Hotel” (Edmund Goulding, 1932), con Greta Garbo y John Barrymore, se sumaba a la lista, y a él lo sucedería “Cabalgata” (Frank Lloyd, 1933), un retrato de la Inglaterra de principios de siglo XX a través de una familia. Su director, Frank Lloyd, repetiría triunfo dos ediciones más tarde con “Rebelión a bordo (1935), a partir del caso real del motín a bordo del buque Bounty a finales del siglo XIX. Al año siguiente, el musical volvería a coronarse con “El gran Ziegfeld” (Robert Z. Leonard, 1936), y en 1938, la biográfica “La vida de Émile Zola” (William Dieterle, 1937) ganó con su retrato del escritor y su participación en el caso Dreyfuss.

En los años 40, el drama ambientado en la Segunda Guerra Mundial “La señora Miniver” (William Wyler, 1942), marcó la primera victoria de William Wyler, uno de los directores más galardonados por la Academia. En 1945, los últimos Oscars celebrados durante la Segunda Guerra Mundial premiaron a  “Siguiendo mi camino” (1944), una comedia musical dirigida por Leo McCarey. Ya en la posguerra, “Los mejores años de nuestra vida” (Wyler, 1947) encumbraría de nuevo a Wyler con un drama sobre la marginación sufrida por los veteranos del conflicto, y “La barrera invisible” (Elia Kazan, 1948)” se ganó a los académicos con un drama sobre el antisemitismo instalado en la sociedad. Otra obra con fuerte carga crítica sería “El político” (Robert Rossen, 1949), más conocida por su traducción literal “Todos los hombres del rey”, nombre del que se apropió su remake a manos de Steven Zaillian.

Ya en la década de los 50, el siempre ambicioso Cecil B. DeMille ganó el Oscar a la Mejor Película de 1953 por su épica circense en “El mayor espectáculo del mundo” (1952). Tres años más tarde, “Marty” (Delbert Mann, 1955) hizo lo propio con la sencilla historia de un carnicero interpretado por Ernest Borgnine, convirtiéndose además en la única cinta ganadora del premio a la Mejor Película y la Palma de Oro en el Festival de Cannes —la otra había sido “Días sin huella”—. En la siguiente edición, la comedia de aventuras “La vuelta al mundo en 80 días” (Michael Anderson, 1956) —con un reparto de lo más variopinto, en el que se contaban Frank Sinatra, David Niven, Cantinflas, Peter Lorre y Marlene Dietrich— se llevaría cinco galardones, entre ellos el que la señalaba como mejor filme del año. 

 

Unos años más tarde, “Tom Jones” (Tony Richardson, 1964) volvería a darle laureles al género de aventuras, con un Albert Finney que daba vida a un bastardo acogido y educado como caballero en la Inglaterra del siglo XVIII. Unos siglos antes, el ilustrado Sir Thomas More había sido una pieza clave en el reinado de Enrique VIII, y ese papel decisivo era el que motivaba el relato de “Un hombre para la eternidad” (Fred Zinnemann, 1966), película histórica que en la ceremonia de 1967 se hacía con 6 Oscars. En 1968, el thriller con fondo racial “En el calor de la noche” (Norman Jewison, 1967), con Rod Steiger y Sidney Poitier como protagonistas, era la triunfadora unos días después de la conmoción que supuso el asesinato de Martin Luther King. En la categoría de Mejor Película, la sucedería el musical “Oliver” (Carol Reed, 1968), adaptación del clásico de Charles Dickens a cargo del director de “El tercer hombre” (1949).

En 1977, “Rocky” (John G. Avildsen, 1976) fue una de las victorias más discutidas en la historia de los galardones, en un año en el que optaban a la Mejor Película “Todos los hombres del presidente” (Alan J. Pakula, 1976), “Network (Un mundo implacable)” (Sidney Lumet, 1976) y “Taxi driver” (Scorsese, 1976). Y en 1979, “El cazador” (Michael Cimino, 1978) se llevó siete estatuillas con su durísima visión sobre la Guerra de Vietnam, que había tocado su fin cuatro años antes. Las primeras premiadas de la década de los 80 dieron la victoria a tres cintas que el tiempo ha dejado en olvidable lugar, las probablemente sobrevaloradas “Kramer contra Kramer” (Robert Benton, 1979) —en la que Benton adaptaba su propia novela, sobre un padre haciéndose cargo de su hijo después de ser abandonado por su mujer—,  “Gente corriente” (Robert Redford, 1980) —drama familiar dirigido por Redford— y “Carros de fuego” (Hugh Hudson, 1981), elogio del espíritu olímpico al que la música de Vangelis confirió la categoría de icono, pese a su aburrido academicismo.

En 1983, el biopic “Gandhi” (Richard Attenborough, 1983) se llevó 8 Oscars, incluyendo uno para su fabuloso protagonista Ben Kingsley. Una edición más tarde, “La fuerza del cariño” (James L. Brooks, 1985) se proclamó ganadora con un melodrama familiar en el que destacaban Jack Nicholson, Debra Winger y Shirley MacLaine. El decenio se cerró con premios para tres títulos bien distintos: “El último emperador” (Bernardo Bertolucci, 1987) era una muy ambiciosa recreación de la historia del último emperador chino de la dinastía Qing, ganadora de 9 estatuillas; “Rain man” (Barry Levinson, 1988) era un drama fraternal sobre el autismo que también le valió el Oscar a Dustin Hoffmany “Paseando a Miss Daisy” (Bruce Beresford, 1989), retrato de la amistad entre una difícil anciana (Jessica Tandy) y su chófer negro (Morgan Freeman).

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Los años 90 hicieron de “Bailando con lobos” (Kevin Costner, 1990) su primera agraciada, significando para el actor/director el momento más dulce de una carrera que, tras esos 7 Oscars, no levantaría cabeza. Uno de los grandes olvidados en los premios hasta entonces, Steven Spielberg, recibiría finalmente su recompensa en 1994 por “La lista de Schindler” (1993), su melodramática visión del holocausto con Liam Neeson, Ben Kingsley y Ralph Fiennes como protagonistas, también merecedora de 7 estatuillas. En 1995, “Forrest Gump” (Robert Zemeckis, 1994) se llevó el grueso de los galardones con su repaso a la segunda mitad del siglo XX estadounidense a través de los ojos del carismático personaje incorporado por Tom Hanks. La siguió “Braveheart” (Mel Gibson, 1995), con la que Mel Gibson evocaba la heroica independentista del escocés William Wallace. En 1999, el palmarés favoreció a la discreta “Shakespeare enamorado” (John Madden, 1998) en detrimento de dos imprescindibles del cine como “Salvar al soldado Ryan” (Spielberg, 1998) y “La delgada línea roja”. En 2000, fue “American beauty” (Sam Mendes, 1999), con su poética crítica la american way of life la que se impuso a sus competidoras.

Quedan en el tintero de la última década la épica circense de “Gladiator” (2000), con la que Ridley Scott y Russell Crowe se coronaron en 2001, y la sobrevalorada “Una mente maravillosa” (Ron Howard, 2001), biopic del matemático John Nash de nuevo con Crowe como estrella. 2005 marcó el segundo triunfo de Clint Eastwood en los Oscars, esta vez llevándose 4 por “Million dollar baby” (2004), drama con el boxeo y la eutanasia de fondo. Al año siguiente, era otro drama, este de historias cruzadas en Los Ángeles, “Crash (Colisión)” (Paul Haggis, 2005) el que se llevaba el botín con 3 estatuillas. En los últimos años, y a excepción de la ya mencionada “En tierra hostil (The hurt locker)”, han sumado su nombre a la lista películas de un carácter más amable y populista, caso de la vitalista “Slumdog millionaire” (Danny Boyle, 2008), la monárquica e insípida “El discurso del rey” (Tom Hooper, 2010) y la manierista y hueca “The artist” (Michel Hazanavicius, 2011).

En las imágenes: “Amanecer” © 1927 Fox Film Corporation. “El apartamento” © 1960 The Mirisch Corporation. “Casablanca” © 1960 Warner Bros. Pictures. “Lawrence de Arabia” © 1962 Columbia Pictures y Horizon Pictures II. “La ley del silencio” © 1954 Columbia Pictures Corporation y Horizon Pictures. “El padrino. Parte II” © 1974 The Coppola Company y Paramount Pictures. “El padrino” © 1972 Paramount Pictures y Alfran Productions. “Ben-Hur” © 1959 MGM. “Sucedió una noche” © 1934 Columbia Pictures Corporation. “¡Qué verde era mi valle!” © 1941 Twentieth Century Fox Film Corporation. “De aquí a la eternidad” © 1953 Columbia Pictures corporation. ”Eva al desnudo” © 1950 Twentieth Century Fox Film Corporation. “Annie Hall” © 1977 Rollins-Joffe Productions. ”Días sin huella” © 1945 Paramount Pictures. “Lo que el viento se llevó” © 1939 Selznick International Pictures y MGM. “West side story” © 1961 The Mirsch Corporation, Seven Arts Productions y Beta Productions. “Rebeca” © 1940 Selznick International Pictures. “Platoon” © 1986 Hemdale Film y Cinema 86. “El silencio de los corderos” © 1991 Strong Heart/Demme Production y Orion Pictures Corporation. ”No es país para viejos” © 2007 Paramount Vantage, Miramax Films y Scott Rudin Productions. “Cowboy de medianoche” © 1969 Florin Productions y Jerome Hellman Productions. “Contra el imperio de la droga” © 1971 D’Antoni Productions y Schine-Moore Productions. “Vive como quieras” © 1938 Columbia Pictures Corporation. “El puente sobre el río Kwai” © 1957 Columbia Pictures Corporation y Horizon Picture. “El paciente inglés” © 1996 Miramax Films y Tiger Moth Productions. “Titanic” © 1997 Twentieth Century Fox Film Corporation, Paramount Pictures y Lightstorm Entertainment. “Alguien voló sobre el nido del cuco” © 1975 Fantasy Film. “Amadeus” © 1984 The Saul Zaentz Company. “Hamlet”  © 1948 Two Cities Films. ”Infiltrados” © 2006 Warner Bros. Pictures, Plan B, Initial Entertainment Group, Vertigo Entertainment y Media Asia Films. “Sin perdón” © 1992 Warner Bros. Pictures y Malpaso Productions. “El golpe” © 1973 Zanuck/Brown Productions y Universal Pictures. “Sonrisas y lágrimas” © 1965 Robert Wise Productions y Argyle Entertainment. ”My fair lady” © 1964 Warner Bros. Pictures. “Patton” © 1970 Twentieth Century Fox Film Corporation. “Un americano en París” © 1951 Loew’s Incorporated. ”El Señor de los Anillos: El retorno del rey” © 2003 New Line Cinema, The Saul Zaentz Company y WingNut Films. “Memorias de África” © 1985 Mirage Enterprises y Universal Pictures.“En tierra hostil (The hurt locker)” © 2008 Voltage Pictures, First Light y Kingsgate Films Production. ”Chicago” © 2002 Miramax Films. “Gran Hotel” © 1932 MGM. “El político” © 1949 Columbia Pictures Corporation. ”El mayor espectáculo del mundo” © 1952 Paramount Pictures. “Un hombre para la eternidad © 1966 Highland Films. “El cazador” © 1978 EMI Films y Universal Pictures. “Paseando a Miss Daisy” © 1989 The Zanuck Company y Majestic Films International. “Forrest Gump” © 1994 Paramount Pictures. “Crash (Colisión)” © 2005 Lions Gate Films, Bob Yari Productions, DEJ Productions, Syndicate Films International, Blackfriar’s Bridge, Harris Company, ApolloProScreen & Co. Filmproduktion y Bull’s Eye Entertainment. Todos los derechos reservados.

Más sobre: , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,
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3 - Alfredo P. Quaglia - 6:01 - 03.04.14

Muy buena la página “Las mejores películas ganadoras de los premios oscars”. Una recopilación valiosa y digna de ser consultada.



2 - Rosa Mayo Marcuzzi - 19:19 - 26.02.13

No estoy de acuerdo con la selección que habéis hecho, sin embargo una me ha parecido buena: “El precio del silencio”, de Elia Kazan, con Marlon Brando y Karl Marlden, además de Eva Marie Saint.



1 - Ignotus - 21:40 - 25.02.13

“El retorno del rey” sigue siendo la excepcional peli de aventuras fantásticas.




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