Javier Rebollo, director de “La mujer sin piano”: «Como industria, el cine muchas veces olvida los valores añadidos»

Escrito por el 28.06.09 a las 17:51
Archivado en: Cine español, Comedia, Drama, Entrevistas, Rodajes

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Es uno de los nombres propios de nuestro cine, reconocido dentro y fuera de nuestras fronteras desde que debutara en el campo del cortometraje en 1997 con “En medio de ninguna parte”. Ahora se encuentra a punto de finalizar su segundo largo, “La mujer sin piano”, protagonizada por Carmen Machi y definida en sus propias palabras como «la historia de dos cuerpos que se encuentran».

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Charlamos con el cineasta madrileño Javier Rebollo ─no confundir con el realizador bilbaíno de mismo nombre, aunque su obra nada tiene en común─ tras la rueda de presentación del fin de rodaje, un encuentro en el que descubrimos a un Rebollo tranquilo, calmo, seguro de lo que quiere con su trabajo y de lo que siente y transmite con el mismo.

¿Qué te ha resultado más complicado, saltar del corto al largometraje o sacar adelante tu segunda película?
En Hollywood dicen siempre que lo difícil es hacer las segundas películas, y Truffaut hablaba de la melancolía de las terceras películas. Yo he comentado en muchas ocasiones que no hay ningún salto del corto a largo, es un paso natural. O debería serlo, al menos.

Pero es inevitable que se vea por muchos como una plataforma.
Nunca lo he entendido así; de hecho, creo que es malo para quien lo utilice como tal. Cada historia necesita su tiempo, su densidad, de la misma manera que un cuadro varía en función de la técnica que se vaya a emplear en su creación. Jamás he pensado en términos de duración, eso es algo industrial.

¿Qué ha cambiado entre el primer rodaje y el segundo?
Es muy saludable hacer una película contra la otra, como lo hacía John Ford. Es una cuestión de gimnasia mental. “Lo que sé de Lola” está rodada en francés, esta en español; la anterior es larga, de más presupuesto, y esta es más pequeña; aquella transcurría a lo largo de muchos años, con unas elipsis muy grandes, con muchas metonimias, y esta transcurre casi en tiempo real, muy localizada y prácticamente sin elipsis. Pero a la vez son muy parecidas. La anterior sucedía en un tiempo indeterminado, al igual que mis cortos, que eran más abstractos, y esta está anclada en una fecha, en un día concreto, en horas, incluso. Es una decisión de inicio de rodaje, y creo que tiene que ver con un proceso de maduración. Tarkovski decía que hay dos tipos de directores, los que tienen su propio mundo (Buñuel, el propio Tarkovski, Bergman) y los que critican el mundo en el que viven. Al principio quería estar en el primer grupo, pero me he dado cuenta de que lo que me gusta es estar en ambos.

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¿Dónde está la crítica en “La mujer sin piano”?
Precisamente en esa fecha en la que transcurre la historia, el 16 de marzo del año 2003. Fue un día fatídico, un domingo soleado, en el que se reunieron en Azores Bush, Blair y Aznar. No quiero que se olvide ese momento. Y en general hay en toda la película mucho humor crítico con este mundo moderno con el que me resulta imposible sentirme identificado.

No aparece Lola Dueñas, tu musa, por expresarlo de algún modo.
El término musa no me gusta, tiene algo como de adoración; fetiche tiene algo de componente sexual, así que tampoco. No sé. Pero no, la cuestión es que teníamos que descansar un poco después de que protagonizase todo lo que he rodado hasta el momento.

Has declarado que las actrices maduras no son bien tratadas en el cine. Pero Carmen Machi no está en esa edad.
No, no. Pero representa el papel de una mujer que sí lo está. Aunque no está caracterizada, no creo en las caracterizaciones. Y eso que en el equipo tenemos a Mara Collazo, que estuvo nominada al Oscar® por su trabajo en “Mar adentro”. Yo creo en la poesía. Todo está en la forma en que se mueve el personaje, por ejemplo. En “Jules et Jim” (François Truffaut, 1961), pasa muchísimo tiempo y los personajes no envejecen, cambia el decorado. Es mucho más cinematográfico.

Tu obra es muy personal y nada convencional, muy poco comercial. ¿Crees que el gran público entiende lo propone tu cine?
No lo sé, no pienso en el espectador nunca, creo que sería un mal director si lo hiciera. Para mí, la mejor manera de respetar al público es pensar solamente en la película. Ella misma acaba encontrando a su público.

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Estoy de acuerdo, pero en el momento actual, dominado por una visión tan industrial del cine, el recorrido de infinidad de películas es minúsculo.
Por supuesto, pero es una cuestión industrial, exacto, al margen del plano artístico. Aquí Fernando Lara ha salido de su puesto de Director General del ICAA de mala manera, y es él quien ha posibilitado que existan películas como las de Pedro Aguilera, José María de Orbe o los experimentos de Jaime Rosales. Tal y como se están perfilando las cosas ahora, estoy preocupado por la situación, la verdad. Se dice que ha salido un cinéfilo y ha entrado un gestor (Ignasi Guardans), un cambio aplaudido por FAPAE. A mí me parece muy mal, porque había una Ley a punto de cerrarse, que necesitaba su fontanería, sus trámites, y no han dejado a Lara que los terminara, y contemplaba cosas maravillosas que permitirían que películas con poca vida en el circuito español siguieran existiendo en los festivales de todo el mundo.

Cada vez tenemos más aceptación en ese marco, es cierto.
Somos bandera en muchos sentidos, son quince o veinte títulos al año que deberían tener una ayuda para seguir vivos. Son muchas las cosas que se pueden perder en este momento. Y hay una cosa terrible: hasta hace poco, se subvencionaban las películas según la taquilla y el público, eso me parece bien. Pero nunca se había subvencionado por ser más cara. Y según lo que se está planificando, las producciones que pueden optar a ello caminarán por los dos millones de euros. Espero que no salga adelante, porque este tipo de cosas van a acabar con estos cineastas.

En el cine español hay una preocupación muy grande por ser rentables.
Claro, desde los tiempos mismos de la revolución industrial lo único que existe es la rentabilización. Pero se olvidan los valores añadidos. Por supuesto, el cine es una industria, estoy de acuerdo, y solamente como industria puede producir de vez en cuando obras de arte; pero, y esto hay que reconocerlo desde la humildad, parte de los valores añadidos de nuestro cine son las películas que han sido bandera en los festivales de Japón, Seúl, Inglaterra, Rusia o Estados Unidos. Y aparte de Almodóvar o “Azuloscurocasinegro” son los trabajos de Albert Serra, Isaki Lacuesta, Rosales o la misma “Lo que sé de Lola”. Es un valor añadido, a lo que hay que sumar los espectadores que tenemos entre todos y por separado.

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Pero quizá sean casos muy contados, los de realizadores que trabajáis de un modo tan personal, casi haciendo las películas para vosotros mismos.
De verdad creo que hay que hacer las películas pensando en la película, si lo haces pensando en el público, algo falla. Es la mejor manera de respetarle. Pero fíjate que hay gente que hace lo contrario y le sale muy bien, como Hitchcock.

¿Qué proyectos tenéis desde la productora Lolita Films?
Hemos producido unos veinte cortos, muchísimos documentales y algún largometraje. Ahora tenemos una película en marcha. Nos gusta formar parte de las películas que hacemos para poder tener algo de autoridad sobre ellas, es bueno ser un poco productor de ti mismo. Cómo crees si no que Borau ha podido seguir rodando hasta el último momento; en cambio otros como Paco Regueiro, como Antonio Drove, que fue la gran esperanza blanca y nunca acabó de rodar, si hubieran formado su propia productora habrían podido continuar.

¿Qué cine actual ves? Tanto español como extranjero.
No tengo dietas, soy un espectador voraz. Sobre todo soy un frecuentador de filmoteca, veo constantemente las mismas películas. En mi opinión la cartelera española contemporánea es absolutamente insuficiente. La cartelera está en París, ahí es donde veo muchísimo cine, muchísimas cosas se estrenan allí y aquí no. Es curioso, tenemos muchas salas pero todas ponen las mismas películas, no entiendo de qué sirve la cartelera si no tiene variedad.

El DVD es una salida.
Afortunadamente han aparecido sellos independientes que permiten acceder a títulos que la gente no puede ver de otro modo. Imagínate, la generación de Miguel Marías, por ejemplo, que tenía que salir al extranjero para ver películas. Yo estoy en el mundo de los festivales desde los 16 años, he tenido suerte al poder ver mucho cine de ese modo.

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Sea como fuere, no podemos olvidar que muchos son directores de cine porque es su trabajo, a pesar de que para ti y tantos otros sea una vía de expresión artística más personal.
Odio la palabra profesional. Nuestro rodaje es muy amateur, aunque en el equipo haya gente que haya trabajado en cien películas. Me encanta el concepto, viene de “amor”. Odio el profesionalismo, y eso intento imponerlo en el rodaje. Desde no decir “acción” hasta saludar a todos cada mañana con un beso, viviendo juntos todo, al acabar cada jornada, emborrachándonos juntos. Necesito querer a la gente con la que trabajo, para mí es muy importante, son mi familia. Llevo quince años con el mismo equipo. Además, si te fijas, todos los grandes cineastas de la Historia han sido amateurs: Rossellini, Welles

Si se lleva en la sangre, no se puede parar.
No, mira cómo queda aún rodando gente como Rohmer, ahí siguen. Afortunadamente.

Esperemos que puedas seguir en esa línea tan honesta.
Esperemos. Y nos veremos pronto, seguro.

En las imágenes: Javier Rebollo, co-guionista y director de “La mujer sin piano” © 2009 LaButaca.net. Fotos por Ralf Pascual. Todos los derechos reservados.

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