Juan Carlos Navarro y Eduardo Martín, animador e iluminador de “Cars 2”: «Ahora hay más trabajo de animación, pero no más calidad»

Escrito por el 07.07.11 a las 13:51
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Ya podemos encontrar en los cines “Cars 2”, secuela del éxito de Pixar de 2006 que marca el regreso tras las cámaras de John Lasseter, y, como es habitual, hemos recibido la agradable visita de dos animadores españoles de la película.

Juan Carlos Navarro y Eduardo Martín charlan con nosotros encantados de la vida, por participar en esta producción para toda la familia y formar parte de la compañía que ha puesto patas arriba el cine de animación moderno. Lógico.

¿Qué tal la experiencia de trabajar en la película?
Juan Carlos Navarro: Tengo un niño de 4 años y una niña de 6, y han visto la primera película cientos de veces. Imagínate la ilusión que me hacía poder animar a estos personajes que todo el mundo conoce y que tanto les gustan; pero por otro lado, tienes una responsabilidad importante por lo que manejas. Pero dentro del departamento de animación hay una estructura de apoyo muy grande y que te arropa mucho para que todo quede como debe. Lo bonito es que los coches antes estaban en Radiator Springs, pero ahora están dando la vuelta al mundo, aprendemos facetas nuevas de los personajes, profundizamos en ellos. Y además hay personajes nuevos, que te dan la posibilidad de aportar tu visión a nuevas personalidades. Ha sido genial.
Eduardo Martín: A nivel de iluminación ha sido muy interesante también. Muchas películas se ambientan en una sola ubicación, pero aquí el hecho de poder ir por el mundo posibilita presentar Tokyo de noche o Londres nublado, que no tienen nada que ver entre sí y suponen un reto fascinante.

¿De qué os habéis encargado concretamente?
EM: Yo trabajo en base a la visión del departamento de arte y el director de fotografía, a las ambientaciones que se quieren dar a las situaciones que plantea cada secuencia. Trabajamos de modo similar a un plató, pero tenemos todo dentro del ordenador. Nuestro trabajo es muy pictórico, te encargas de cada fotograma como si fuera un cuadro realmente, ajustando las luces para que los personajes destaquen con el fondo, para que luzcan lo mejor posible.
JCN: Me ha encantado tener la oportunidad de animar a Francesco Bernoulli, he sido uno de los primeros en hacerlo y ha sido estupendo. Pude contribuir a definir un poco su personalidad, y me alegra ver que el producto final se parece mucho a lo que yo tenía en mente. Y me gusta mucho también el personaje de Mater, porque forma parte del núcleo emocional integral de la película; tiene esa bondad y esa sencillez que hace que sea muy fácil identificarse con él. Como animador está muy bien poder conectar con esos valores y proyectarlos en tu trabajo y el resultado final.

Juan Carlos, ya charlamos en la presentación de “Ice Age 3”, y ahora has pasado de trabajar en Blue Sky a hacerlo en Pixar. ¿Qué es lo que más te ha llamado la atención con el cambio de empresa?
JCN: Algo que me ha gustado mucho es ese sentimiento de comunidad de artistas que tienen en Pixar. En todos los sitios me he encontrado esto, todo el mundo se lleva bien, y todos sacan adelante el trabajo lo mejor que pueden; pero en Pixar te sientes ciertamente parte de algo grande, películas que tienen una grandísima difusión y una profundidad artística enorme. Y compartes eso con personas que admiras desde hace muchos años, y que descubres que te aprecian y fomentan tu participación personal con todo el equipo. Quieren tus ideas, que crezcas con ellos; por no hablar de lo abierto que está todo a la familia, cada mes hacemos una fiesta en la que puedes invitar a amigos y familiares, compartir con ellos tu proceso de trabajo. Es un sistema de apoyo increíble: tenemos clases de cine, de dibujo, de actuación, de todo, para que estés contento allí y desarrolles el mejor trabajo posible.

Eduardo, venías de trabajar en “Ga’Hoole”, una película increíble a nivel de iluminación.
EM: Aquel fue un buen trabajo del equipo, es cierto. Pero está muy bien porque no tiene nada que ver con lo que he hecho aquí, así que me ha resultado muy interesante. “Ga’Hoole” tenía un estilo mucho más fotorrealista, con un director que trabaja en imagen real como es Zack Snyder. El estilo es distinto, pero tiene el punto común de obligarte a trabajar estudiando cómo se comporta la luz real, aunque luego la caricaturices.

¿Pero te resulta más complicado tener que ceñirte a un enfoque más realista?
EM: No, es más o menos el mismo estilo. Eso sí, Pixar trabaja con un sistema propio de iluminación, aunque no deja de ser algo técnico, colores más o menos saturados, cosas así, pero la técnica es la misma.

¿Qué grado de libertad tenéis a la hora de trabajar?
JCN: En Pixar me he dado cuenta de la importancia que da a las ideas que aportas. En esta película, por ejemplo, aportar ideas sobre cómo se mueve Francesco y cómo se plasma físicamente eso en la pantalla. Es muy abierto, y se fomenta mucho que sea así. Siempre bajo los parámetros de la visión del director, claro; pero es lo mismo que trabajar con un director de acción real, tú eres un actor y tienes que preparar tu personaje conforme a sus directrices.
EM: En mi caso es un poco igual, el departamento de arte marca los pasos y el tono general de la película en cada momento, pero la autoría de los planos que te toca iluminar es tuya. No puedes hacer lo que quieras, claro, hay que tener en cuenta la continuidad, pero combinas un poco a tu gusto los materiales que tienes para sacar el máximo rendimiento a cada secuencia. Los directores hacen pases de la película mientras está en proceso, y puedes enviar notas con aportes e ideas.
JCN: Para darte un ejemplo preciso, cuando empecé a trabajar en Francesco pensé en referentes nuestros. Imprimí una foto de Adriano Celentano y lo usé como referente; en Estados Unidos puede que no sea tan conocido como para nosotros, y eso es lo que puedes aportar. Para Tomber, el antiguo coche francés de tres ruedas, me inspiré en Louis de Funès, en esas formas tan particulares que tiene en la boca; me vi fotograma a fotograma las películas de “El gendarme” y me serví de su lenguaje facial, ya que aquí no tenemos brazos que utilizar, claro. Incluso para Mater recordé a gente así que conocí en la mili, gente muy bondadosa, con los pies en la tierra. No sé, ese tipo de cosas te inspiran.
EM: Al fin y al cabo es una empresa de artistas, lo que buscan es ese valor añadido que puedas dar. No simplemente hacer tu trabajo, todo lo que puedas aportar está bien.

Francesco puede ser muy reconocible para el público español.
JCN: Sin caer en los tópicos, es cierto. Yo soy alicantino, y tengo la imagen del turista italiano, vacilón, repeinado, echado para adelante, que ha venido aquí a ligar. Va con su personalidad también como coche de Fórmula 1, rígida, con una suspensión muy dura. El Profesor Z, por ejemplo, es más un susurro, un automóvil antiguo, con la suspensión blandita…

¿Algo especialmente duro?
EM: Yo estuve trabajando buena parte de la producción en la fiesta de Tokyo. Fue muy interesante y muy complejo, por la cantidad de luces que hay en la secuencia, todo está lleno de focos, y están todos los coches, las multitudes, etcétera. En una discoteca si estás debajo del foco se te ve, en cuanto te mueves un poco ya no. Es complicado, porque tienes que hacer que dentro de ese ambiente, se desplacen por el sitio que sea, siempre se les vea.

¿Cómo veis ahora mismo esta edad de oro del cine de animación?
EM: Hay más trabajo, pero no de más calidad. Creo que mucha gente se ha sumado al carro de la animación porque piensan que sale más barato, en base al rendimiento en taquilla. Hubo un boom hace unos años, en el que muchos estudios pequeños se estaban tirando a eso. Pero la historia es lo más importante, no puedes pensar simplemente en que si me cuesta tanto y saco tanto, me voy a hacer rico.

Existe la idea generalizada de que el primer “Cars” es la película más floja de Pixar hasta el momento. En sentido global, no específicamente técnico. Pero es la favorita de los más pequeños, ¿dónde creéis que está el secreto?
JCM: Yo lo veo con mis hijos, como te comentaba antes. Veo al pequeño jugar con los coches y me doy cuenta de cómo ha conectado con ellos directamente. Me recuerda a cuando yo era pequeño y jugaba con el coche de “Starsky y Hutch”. Creo que viene del cariño que tiene el propio John Lasseter por estos coches, su padre era gerente de piezas en un concesionario… no sé, es conectar con ese yo anterior de todos.
EM: Es verdad, es un fenómeno extraño. Esta es una película claramente más para niños. No tiene tantos niveles de lectura como otros títulos de Pixar. Todos hemos jugado con coches, niños y niñas, forman parte de nuestras vidas.
JCM: Y es muy bonita la continuidad que ha tenido la película a lo largo de los años, no ha perdido intensidad. Estuve hace poco con mi familia en Disneyland y están haciendo Cars Land, me encanta ver cómo los personajes siguen haciendo su vida a través de otros eventos y formatos. Y a los chavales les encanta.

En las imágenes: En la primera y la segunda, Eduardo Martín (izquierda) y Juan Carlos Navarro (derecha), a su paso por Madrid para promocionar la película “Cars 2” © 2011 Walt Disney Studios Motion Pictures Spain. Todos los derechos reservados. En el resto, fotogramas de “Cars 2” © 2011 Disney/Pixar. Todos los derechos reservados.

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