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“El luchador (The wrestler)”: Vuelve Mickey Rourke, el hombre del ring (Segunda parte)

Viene de: Primera parte

En gran estado de gracia comercial, caería en manos de Mickey Rourke el guión de uno de los títulos más recordados del cine de los últimos tiempos, que convirtió inmediatamente a Kim Basinger en icono erótico universal gracias a sus contoneos al son de la rasgada voz de Joe Cocker: “Nueve semanas y media” (1986), en la que el especialista en falsos calentones Adrian Lyne ─”Atracción fatal”, “Una proposición indecente”, “Infiel”─ contaba las carnales experiencias sexuales de dos yuppies de clase media de la Gran Manzana… y poco más. Éxito incontestable y abrumador, a ritmo de videoclip aterrizó con acierto en las carteleras en el momento adecuado, en el que la generación a la que iba dirigida la película convivía con el sexo como algo sano y natural, a pesar de que la relación narrada en el libro de Elizabeth McNeill lindaba con el sadomasoquismo y lo bizarro en más de una ocasión. Décadas después, Basinger (que se refirió en su día a su compañero de reparto como «el cenicero humano») aseguraba que en cierto modo se sentía frustrada porque a partir de este momento en su carrera se le había considerado más un objeto de deseo que una actriz propiamente dicha, aunque es indudable el apabullante empujón que supuso para ella el juguetear con un par de hielos…

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Estaba lanzado hacia el éxito de manera imparable. Pero era polémico como pocos, rechazando proyectos, armando broncas con productores, repudiando el sistema. Con todo, convertido ya definitivamente en uno de los actores más relevantes del momento continuó acumulando nombres de interesantes directores en su filmografía en 1987, año en el que se puso a las órdenes de Alan Parker en “El corazón del ángel”, escalofriante thriller fantástico tan valiente en su propuesta y puesta en escena como fallido en sus pretensiones de cara a la taquilla. La estupenda adaptación de la novela de William Hjortsberg ─autor de la también recordada “Legend” ─ queda en el recuerdo como un film de culto absoluto por su retrato del descenso a los infiernos del detective Harry Angel (Rourke), contratado por el misterioso Louis Cyphre (Robert De Niro) para localizar a un cantante de los años 30 desaparecido misteriosamente; brutal, extenuante y soberbiamente planificada, nunca debió pretender abarcar a un público masivo ─el estudio mandaba─ que le dio la espalda al no entender lo excesivo de un film no para todos los gustos. Vudú, santería, Nueva Orleans, blues, asesinatos rituales, secundarios inolvidables y un final sorpresa de los que hacen época ─precedida de una escena francamente horrible protagonizada por De Niro─, todo ello adornado con unas cuantas escenas sexuales que, entre otras cosas, le costaron a Lisa Bonet la expulsión inmediata del show televisivo de Bill Cosby, en el que daba vida a su hija. Uno de los mejores ejemplos de la filmografía de nuestro muchacho, que lamentablemente está en proceso de ser objeto de un (otro) innecesario remake.

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Continuando con su crescendo de personajes dispares y extremos, también en 1987 se metió en la piel del mismísimo Charles Bukowski en “Barfly”, de Barbet Schroeder, una producción en la que se implicó de manera especial mimetizando al máximo el tono de voz y la gestualidad de Henry Chinaski (alter ego del novelista) para dar vida al borracho más feliz del mundo, uno de los genios de la literatura norteamericana de la segunda mitad del siglo XX cuyos momentos de lucidez nos han regalado obras tan relevantes como “La senda del perdedor” o “La máquina de follar”; sus experiencias en torno al rodaje del film se recogen en “Hollywood”, un texto verdaderamente impagable. El trabajo de Rourke ─que, según dice, no convenció del todo a un Bukowski que quería a Sean Penn en el papel principal─ es más que notable, hasta el punto de que el rotativo The New York Post incluyó una foto suya en lugar de una del poeta cuando éste falleció en 1994; nominada a la Palma de Oro en Cannes y al Globo de Oro® para una estupenda Faye Dunaway, puede que la mejor manera de recordar la marginal intelectualidad que respira la cinta sean las palabras del propio escritor cuando afirmaba que «la mayoría de los alcohólicos son repugnantes, desde luego, al igual que la mayoría de los abstemios».

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En un tour de force profesional sin precedentes en su carrera hasta ese momento, culminó 1987 aceptando el rol principal de la trágica “Réquiem por los que van a morir”, la caída en desgracia del ex miembro del IRA Martin Fallon, que decide abandonar la organización terrorista tras provocar involuntariamente una masacre en un autobús escolar. Secundado por Bob Hoskins, Liam Neeson y Alan Bates, Mickey Rourke firma una correcta representación de su torturado personaje, pero el conjunto no deja de resultar convencional por la floja dirección de Mike Hodges, en lo que supone un título menor ─aunque lo peor estaría por llegar─ en la filmografía del intérprete. Un año más tarde firmaría su primer guión, “Homeboy”, todo un canto a su amor por el cuadrilátero en el que se metía en la piel de Johnny Walker, a quien la vida y el ring dan una segunda oportunidad cuando conoce a Wesley (Christopher Walken) y Ruby (Debra Feuer, con quien llevaba casado desde 1981 y de quien se separaría en 1989). Dramón sin concesiones, dividió al respetable de manera radical, resultando un proyecto amado e impopular a partes iguales. Lo mejor es dejarse llevar por la música de Eric Clapton y descubrir en el reparto a Jon Polito, Kevin Conway, Stephen Baldwin, Rubén Blades, Willy DeVille…

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Fue el canto del cisne de Rourke. A partir de este momento, iniciaría un camino dubitativo al que sería empujado en buena medida por la infame “Francesco”, en la que la tremebunda Liliana Cavani trataría de retratar la vida de San Francisco de Asís con un presupuesto de catorce millones de dólares y un resultado artístico tan lamentable como descacharrante, si se revisa el film años después. Los abucheos en Cannes todavía resuenan entre los asiduos más veteranos, un vapuleo innegablemente merecido para este despropósito inventado por la realizadora italiana, que ya se había aproximado a la figura del santo en 1966 con mejores resultados. Rara, telefílmica y errónea, sólo sirvió como paso previo a “Johnny el guapo”, divertida serie B con el gran Walter Hill ─con el que se reencontrará nuevamente en breve─ a los mandos. Centrada en la venganza del chico del título, monstruosamente deformado de nacimiento, contra unos villanos absolutamente pulp con los rasgos de Lance Henriksen y Ellen Barkin, ayudó a Hill a recuperar un tanto el pulso que había perdido tras las cámaras. Un thriller sórdido y puñetero, empapado de un irrenunciable halo nihilista que clamaba por la imposibilidad de salir del pozo de la marginalidad de quienes se consideran a sí mismos condenados por sus circunstancias. No funcionó muy bien en términos de recaudación, así que, con su status de estrella seriamente amenazado, tocaba un cambio de estrategia.

Continúa en: Tercera parte | Cuarta y última parte 

  • Más información sobre “El luchador (The wrestler)”
  • Tráiler en español de “El luchador (The wrestler)”
  • Fotos de “El luchador (The wrestler)” (20)
  • Notas sobre cómo se hizo
  • Nominada a 2 Oscars®
  • Crítica (10/10): La tragedia del Ave Fénix, por J. Arce
  • Clip en exclusiva de “El luchador (The wrestler)”
  • Noticias relacionadas con la película y su equipo
  • En las imágenes: Fotograma de “Nueve semanas y media” © 1986 Galactic Films, Jonesfilm, MGM, Producer Sales Organization y Triple Ajaxxx. Todos los derechos reservados. Imagen promocional de “El corazón del ángel” © 1987 Carolco International N.V., Winkast Films Productions y Union. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Barfly” © 1987 Golan-Globus Productions y Zoetrope Studios. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Johnny el guapo” © 1989 Carolco Pictures y The Guber-Peters Company. Todos los derechos reservados.

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